O' Jazz !

Umbria Jazz

2008-02-07T06:39:00.002-08:00

Umbria Jazz

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Umbria Jazz è una delle più importanti manifestazioni jazzistiche a livello mondiale. Si svolge a Perugia nel mese di luglio.

Indice

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Le origini [modifica]

Il 23 agosto 1973 è la data del primo concerto della prima edizione di Umbria Jazz. Fu subito chiaro che si trattava di una buona idea, come testimoniava il grande successo di pubblico, a dispetto di una promozione approssimativa (la gestazione del processo fu velocissima: dalla visione alla realizzazione concreta passarono pochissimi mesi). Inizialmente Umbria Jazz assunse una formula "itinerante", cioè si spostava, ogni sera, da una città all'altra in una sorta di pittoresco viaggio disorganizzato per i tanti luoghi suggestivi della regione, ed aveva un gran pregio: i concerti erano gratuiti. Per ascoltare musica non si pagava nessun biglietto, in una fase storica in cui i giovani consideravano la musica come una sorte di "servizio sociale".
Per il jazz, musica da club o tutt'al più da teatro, in ogni caso per piccoli spazi, è uno shock. Il jazz entra nella piazza dell'Umbria, l'agorà dove si è sempre svolta la vita civile e sociale della sua gente. Da allora il jazz e la piazza convivono, e festival di questo tipo nascono in tutta Italia.
Oltre che uno shock per l'Umbria, è un incredibile spot promozionale, perché musica e ambienti si intrecciano con inedite suggestioni. E l'immagine di quelle piazze stracolme di gente fa il giro dell'Italia e sbarca perfino in America. Del resto, come sarebbe possibile non subire il fascino della piazza del Popolo di Todi, di piazza IV Novembre a Perugia, del Teatro romano a Gubbio, della fortezza dell'Albornoz a Orvieto... Se Umbria Jazz doveva lanciare l'Umbria come approdo di un turismo giovane e di massa, l'obiettivo era raggiunto.

Le prime difficoltà [modifica]

Immagine:Ornette Coleman.jpg

Ornette Coleman

Le città dell'Umbria, dal fragile equilibrio, nei giorni di Umbria Jazz (conosciuta anche come UJ), scoppiano. In alcune situazioni la popolazione raddoppia. Gli organizzatori fanno il possibile per arginare la situazione ma, a volte, il possibile non è sufficiente. Prima dei concerti, dal primo pomeriggio, le piazze diventano delle interminabili distese di sacchi a pelo. È difficile spostarsi: addirittura in alcuni casi anche i musicisti hanno difficoltà nel raggiungere il luogo dove devono suonare, e c'è chi, come Count Basie, non arriva affatto: la sua orchestra resta inesorabilmente bloccata sul bus vittima dello stesso ingorgo in cui sono intrappolati tanti aspiranti spettatori.
Per Umbria jazz non esistono mezze misure: c'è chi vede con entusiasmo questo singolare "esperimento" di politica culturale e fa notare come l'immagine stessa della regione ne venga positivamente stravolta. Al contrario, non mancano gli scettici prima e i critici dopo, che vedono Uj come una specie di violenza alla tradizionale quiete e al secolare silenzio dell'Umbria.

I primi disordini [modifica]

L'edizione del 1976, l'anno che vede calcare le scene dell'Umbria a George Coleman, Art Blakey e Dizzy Gillespie segna l'anno più nero per Uj. In Umbria arriva troppa gente e questo resta il principale motivo di crisi. Ma c'è anche da dire che parte del pubblico (una parte minoritaria, ma vistosa) non è certamente facile da gestire. È un pubblico "estremo" che vive tutto come una dimensione politica; in Italia sono i cosiddetti "anni di piombo".
Uj viene trascinata, suo malgrado, in questa spirale e spesso diventa teatro di irrequietezze e talvolta di disordini. Piccoli gruppi di contestatori si danno agli "espropri proletari", altri si accaniscono contro le sedi dei partiti politici di destra. A Todi scoppiano disordini al passare di una processione religiosa. Attorno alle piazze sono schierate lunghe file di poliziotti e il clima, che doveva essere di festa, diventa molto teso.
Neanche la musica si salva: va di moda il jazz-man politico, anche se spesso la politicizzazione si risolve in qualche titolo accattivante e in ostentati abiti africani. Vengono fischiati grandi artisti, come Chet Baker e Stan Getz, bianchi e borghesi. Altrettanto acceso, ovviamente, è il confronto fra le forze poilitiche dell'Umbria e negli ambienti culturali: sostenitori e detrattori si misurano con toni forti. E pensare che, in fondo, tutto era nato da un innocuo intento di promozione turistica. Per non rischiare, gli organizzatori annullano l'edizione del 1977.

La fine di un sogno? [modifica]

Dopo molte polemiche, nel 1978 si torna a riorganizzare la grande kermesse di Uj, con una formula che cerca di limitare l'afflusso di spettatori dividendoli: ogni sera vanno in scena due concerti in altrettante città. Ma la folla non si divide anzi, in certi casi, aumenta, e con essa, ovviamente, i problemi.
Il festival, per come è diventato, non è più gestibile, e nemmeno difendibile. Anche gli amministratori regionali che fino ad ora, nonostante tutto, lo avevano difeso, non se la sentono più di correre il grande azzardo e sono costretti a cedere.
L'edizione del 1978 sarà l'ultima di Uj. Serve una pausa di riflessione, ma non sono molti a scommettere sul futuro del festival. Sembrava proprio il "canto del cigno": a Terni, in un tripudio di folla, si svolge la grande performance del trio di Bill Evans con alla batteria Philly Jo Jones, mentre a Perugia si esibisce Lionel Hampton con la sua All Star Big Band: uno scampolo di capolavoro in un momento nero.

L'araba fenice [modifica]

Perugia, Renzo Arbore

Per tre anni, dal 1979 al 1981 si continua a parlare di Uj, ma sono in pochi quelli che scommetterebbero su una sua rinascita. E invece, autentica araba fenice della musica, la manifestazione rinasce dalle sue ceneri. Nell'edizione del 1982 si vede subito che molte cose sono cambiate: innanzitutto Regione e Atp non entrano più nella gestione, che viene presa a carico da un gruppo di volenterosi. Nei primi tempi si fa capo alla struttura dell'Arci, una realtà associativa all'epoca molto forte in Umbria. Poi, col passare degli anni e delle edizioni, si seleziona sempre più una struttura ristretta che acquista competenza e professionalità. Da questa, nel 1985, nasce l'Associazione Umbria jazz, senza fine di lucro, che ha in gestione il marchio "Umbria jazz" di proprietà della Regione e gestisce il festival in ogni suo aspetto (formula, scelte artistiche, organizzazione, logistica, sponsorizzazioni). Oggi il presidente dell'Associazione è Renzo Arbore, mentre Carlo Pagnotta (uno degli ideatori di Uj) ne resta il Direttore artistico.
Altro passaggio importante, alcuni anni dopo, è la nascita, per volontà della Regione, della Fondazione Umbria jazz, che ha il compito di garantire le risorse finanziarie di parte pubblica.

Una "formula" vincente [modifica]

L'Umbria jazz gratuita e itinerante degli anni Settanta è ormai un ricordo; il presente è una manifestazione che introduce, per la prima volta, il biglietto d'ingresso. Non in tutti i concerti, perché una parte del cartellone resta, e resterà, sempre gratuita e in piazza. Insomma, per i concerti più importanti, si paga. Del resto è anche il pubblico che è cambiato, e nuove esigenze emergono: stop alle grandi adunate, stop ai sacchi a pelo in piazza, ma posti a sedere e, rigorosamente, numerati.
La seconda caratteristica della "nuova" Uj è la stanzialità: non è più un festival itinerante, ma prende stabile dimora a Perugia. In verità, nei primi anni, si prova l'esperienza del cosiddetto "decentramento": il festival si svolge quasi tutto a Perugia, ma qualche concerto viene allestito anche in altre città, come Terni, Narni, Orvieto, Foligno, Gubbio, Città di Castello e Assisi. Ma il "decentramento" fallisce.
Uj è diventata un festival ad immersione totale, e il centro storico di Perugia appare sempre più come un villaggio globale in cui si respira musica ad ogni ora del giorno e della notte, con eventi che si susseguono e si sovrappongono. In un chilometro quadrato di straordinaria bellezza e suggestione si creano interazioni inedite fra storia medievale, che aleggia tra i palazzi e le piazze di Perugia, e i suoni della contemporaneità.

Atmosfera "magica" [modifica]

Immagine:Keith Jarret.jpg

Keith Jarrett durante le prove

Nei primi due anni della sua "seconda vita" Uj fu "sorvegliata speciale" e si svolse in un torrido tendone da circo nella zona di Pian di Massiano (vicino allo stadio), ben lontano dal centro storico: una specie di confino perché i problemi degli anni Settanta non erano stati dimenticati. Questa situazione la vivono anche gli operatori di commercio (che oggi considerano Uj come uno dei momenti fondamentali della promozione del turismo): quando apre il festival molti bar e ristoranti chiudono. Ma si vede presto che il clima è molto diverso e, a poco a poco, lo scetticismo cede il posto alla fiducia. E così si riguadagna il centro storico.
I concerti serali si tengono nei neoclassici giardini del Frontone; quasi tutti i concerti sono esauriti e migliaia di persone non riescono a seguire i loro beniamini (Sonny Rollins, Randy Crawford, Michel Petrucciani, Phil Collins, Al Jarrau e Keith Jarrett, solo per nominarne alcuni).

Dal 2003 saranno sostituiti con la più capiente arena del Santa Giuliana che accoglierà le performace di Ornette Coleman, Van Morrison, Bobby McFerrin, gli Earth, Wind & Fire, James Brown e i Manhattan Transfer (anche qui, solo qualche nome). Poi si aprono i "salotti buoni": prima il Teatro del Pavone, il settecentesco teatro dell'aristocrazia perugina, che ospita nel 1984 un galà in onore di Sarah Vaughan; poi il teatro comunale Morlacchi che, con la sua ottima acustica, esalta la voce e le note della chitarra di Caetano Veloso.

Immagine:The Earth Wind & Fire.jpg

Earth, Wind & Fire

Nel 1987 irrompe sulla scena del festival quello che resta lo spazio più suggestivo in assoluto: la duecentesca chiesa di San Francesco al Prato. È una delle più antiche e nobili chiese della città, semidiroccata per una serie ininterrotta di traumi di ogni tipo, dallo smottamento del terreno (già subito dopo la costruzione) fino al più recente terremoto che sconvolse l'Umbria nel 1997. La notte, sopra l'abside scoperchiato, si vede il cielo stellato. È un luogo "magico": tutto quello che vi si suona acquista una dimensione innaturale. I musicisti ne sono affascinati. Fuori dalla chiesa, sul prato, dove la musica scivola senza ostacoli, migliaia di persone ascoltano Gil Evans, Carmen McRae, la Liberation music orchestra. Attualmente si stanno terminando i restauri per farla diventare l'auditorium di Perugia con l'abside rigorosamente scoperchiato.

Altri suggestivi spazi utilizzati sono il duomo di Perugia (soprattutto con i cori Gospel), la basilica di San Pietro (con Jan Garbarek e Hilliard Ensemble per il mistico e spirituale progetto Officium). Si dovette aprire perfino lo stadio di calcio (l'attuale "Renato Curi"), per la performance del mitico Miles Davis nel 1984, e fu teatro del più memorabile concerto del festival, quello di Sting nel 1987.
Nel 1997 un concerto viene spostato a Villa Fidelia (vicino Spello) a causa delle migliaia di richieste di biglietti da tutta Italia e dall'indisponibilità dell'artista di utilizzare lo stadio; è un altro dei momenti indimenticabili per Uj: in una cornice quasi surreale la chitarra di Eric Clapton fa impazzire migliaia di giovani.
Gli ultimi "acquisti" sono stati l'oratorio filippino di Santa Cecilia, piccolo e delizioso, restaurato dal Comune con il contributo della Heineken, e la sala Podiani della Galleria nazionale dell'Umbria, il tempio della storia e della cultura della città. E, naturalmente, per i concerti gratuiti, si torna in piazza IV Novembre e ai giardini Carducci, il cuore del cuore medievale.

Lo stile [modifica]

Immagine:Giardini Carducci.jpg

Perugia, concerto gratuito ai Giardini Carducci

Rispetto al passato Uj è tutta un'altra storia. Quello che non cambia rispetto alla prima vita è la qualità del cartellone: nel ventennio che parte dall'edizione del 1982 e arriva fino ai nostri giorni, per l'Umbria passa tutto il jazz che conta, con qualche divagazione nei territori del rock e del blues e della canzone brasiliana, con una maggiore attenzione (soprattutto negli ultimi anni) al jazz italiano. È la formula, però, che fa la fortuna del festival.
Le scelte artistiche si dividono, volendo generalizzare molto, in due filoni: da un lato il jazz ortodosso; dall'altro un variegato panorama di musica Nera (blues, gospel, soul, zydeco, marching band, rhythm 'n' blues) e di vari sconfinamenti nel pop-rock, per un pubblico generalista che cerca una buona colonna sonora per la sua vacanza in Umbria. In tale ottica vanno viste anche le esibizioni ad Uj di personaggi come Elton John, Carlos Santana, James Brown, Donna Summer, Eric Clapton, Earth, Wind & Fire, e di molti altri artisti non strettamente appartenenti al mondo del jazz, che si sono avvicendati nell'arena perugina negli ultimi anni.
Uj non è una manifestazione snob e non esclude nessuno: anche per questo contribuisce, come nessun'altra, alla conoscenza del jazz in Italia e ne fa un oggetto un po' meno sconosciuto. Anzi, meno elitario, perché i "numeri" del festival (incassi e presenze) sono da manifestazione "popolare".

Voci correlate [modifica]

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Sito ufficiale

Gato Barbieri

2008-02-07T06:39:00.001-08:00

Gato Barbieri

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Leandro “Gato” Barbieri

Leandro “Gato” Barbieri (Rosario, 28 novembre 1934) è un sassofonista jazz argentino.

Figlio di un carpentiere con la passione per il violino, studia clarino e sassofono e composizione a Buenos Aires.
Nel 1953 entra a far parte dell'orchestra di Lalo Schifrin e si dedica completamente al sax tenore.
Nel 1962 si trasferisce a Roma e nel 1967 è a Milano, dopo una parentesi a New York con Don Cherry, dove partecipa a Nuovi sentimenti di Giorgio Gaslini.
Nel 1967 incide i primi due dischi pubblicati con il suo nome.
Nel duo con Dollar Brand 1968 imprime alla sua musica una svolta nel recupero delle musicalità sud-americane.
Nel 1973 collabora con Bernardo Bertolucci componendo la colonna sonora del film Ultimo tango a Parigi.

Discografia (incompleta) [modifica]

Complete communion (Don Cherry, 1965)
Togetherness (Don Cherry, 1965)
Symphony for Improvisers (Don Cherry, 1966)
In Search Of The Mistery (1967)
Hamba Khale (with Dollar Brand, 1968)
Escalator Over The Hill (Carla Bley, 1968)
Under fire (1969)
The Third World (1969)
Liberation Music Orchestra (Charlie Haden, 1969)
El pampero (1971)
Fenix (1971)
Last tango in Paris (1972)
Bolivia (1973)
Chapter one: Latin America (1973)
Chapter two: Hasta siempre (1973)
Chapter three: Viva Emiliano Zapata (1974)
Chapter four: Alive in New York (1975)
Caliente (1976)
I Grandi del Jazz (1976)
Ruby Ruby (1977)
Apasionado - con la partecipazione di Carlos Santana e Pino Daniele (1982)
Ferryboat di Pino Daniele assolo in "Amico Mio" e "Che ore sò" (1985)
Que Pasa (1997)
The Shadow of The Cat (2002)

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Charlie Haden Biografia

2008-02-07T06:37:00.002-08:00

Charlie Haden

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Charlie Haden

Charles Edward Haden (nato il 6 agosto 1937) è uno dei più importanti contrabbassisti jazz contemporanei, reso famoso probabilmente per la sua lunga collaborazione con il sassofonista Ornette Coleman.

Haden è nato a Shenandoah in Iowa ed è cresciuto in una famiglia di musicisti, che spesso si esibivano iniseme alla madio suonando musica country e canzoni folk americane. Haden debuttò professionalmente come cantante quando aveva due anni, e continuò a cantare con la sua famiglia finché non contrasse, a 14 anni, una forma lieve di poliomelite. La poliomelite gli danneggiò i muscoli della gola e le corde vocali e il risultato fu che Haden diventò incapace di controllare l'intonazione. Pochi anni prima, Haden aveva iniziato a interessarsi al jazz, e iniziò a suonare il contrabbasso del fratello maggiore.

Haden si trasferì a Los Angeles a metà degli anni '50 e cominciò rapidamente a suonare professionalmente, collaborando col pianista Hampton Hawes e il sassofonista Art Pepper.

Diventò famoso suonando con Ornette Coleman alla fine degli anni '50, forse raggiungendo l'apice con l'album The Shape of Jazz to Come. Questo album fu molto controverso al tempo, e lo stesso Haden sottolineò che lo stile dell'armolodia, inventato da Coleman era così difficile per lui che all'inizio si rassegnò a ripetere le linee di Coleman al basso. Fu solo successivamente che acquistò abbastanza confidenza per suonare linee proprie durante i concerti.

Accanto alla sua associazione con Coleman, Haden fu anche un membro del trio di Keith Jarrett e dell'"American quartet" dal 1967 al 1976 con Paul Motian e Dewey Redman.

Continuò come leader della Liberation Music Orchestra negli anni '70. In gran parte arrangiata da Carla Bley, la loro musica era molto sperimentale, e coniugava per la prima volta il free jazz con la musica politica, nello specifico, il primo album della LMO si concentrava sulla guerra civile spagnola. Questa esplorazione tematica di generi tipicamente non considerati standard del jazz divenne una caratteristica distintiva dell'approccio di Haden con il suo Quartet West.

Fondato nel 1987, il Quartet West era formato da Ernie Watts al sax, Alan Broadbent al piano e Larance Marable alla batteria.

Alla fine del 1997 collaborò in duetto con Pat Metheny alla chitarra, esplorando la musica che gli influenzò nelle loro esperienze da bambini nel Missouri con quello che chiamano Americana music. La collaborazione culminò nell'album Beyond the Missouri Sky (Short Stories) e nel tour mondiale che vide protagonisti Haden al fianco di Metheny.

Discografia [modifica]

Change Of The Century e The Shape Of Jazz To Come (con Ornette Coleman, 1959)
This Is Our Music (con Ornette Coleman, 1960)
Free Jazz: A Collective Improvisation (con Ornette Coleman, 1961)
Somewhere Before (con Keith Jarrett, 1968)
Liberation Music Orchestra (1969)
Birth (con Keith Jarrett, 1971)
Escalator Over The Hill (con Carla Bley, 1971)
The Survivors' Suite (con Keith Jarrett, Dewey Redman e Paul Motian, 1977)
Eyes Of The Heart (con Keith Jarrett, Dewey Redman e Paul Motian, 1979)
Magico und Folk Songs (con Jan Garbarek e Egberto Gismonti, 1979)
80/81 (con Pat Metheny, Michael Brecker e Dewey Redman, 1979)
Playing (con Dewey Redman, Don Cherry e Ed Blackwell, 1981)
Time Remembers One Time Once (con Denny Zeitlin, 1981)
The Ballad of the Fallen (Liberation Music Orchestra, 1982)
Rejoicing (con Pat Metheny e Billy Higgins, 1984)
In Angel City (Quartet West, 1988)
Private Collection (1988)
In The Year Of The Dragon (con Geri Allen e Paul Motian, 1989)
Dream Keeper (Liberation Music Orchestra, 1990)
Haunted Heart (Quartet West, 1991)
Always Say Goodbye (Quartet West, 1993)
Night and the City (con Kenny Barron, 1996)
Beyond The Missouri Sky (con Pat Metheny, 1997)
None but the Lonely Heart (con Chris Anderson, 1997)
The Montreal Tapes (1998)
Nocturne (con Gonzalo Rubalcaba e Ignacio Berroa, 2001)
American Dreams (con Michael Brecker, 2002)
Land of the Sun (con Gonzalo Rubalcaba, 2004)
Not In Our Name (Liberation Music Orchestra, 2005)

Ornette Coleman Biografia

2008-02-07T06:37:00.001-08:00

Ornette Coleman

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Immagine:Ornette Coleman.jpg

Ornette Coleman a Umbria Jazz

Ornette Coleman in concerto a Ludwigshafen, 2005

Ornette Coleman (Fort Worth, 9 marzo 1930) è un sassofonista e compositore statunitense, uno dei maggiori innovatori del movimento free jazz degli anni '60.

Inizia la carriera in orchestre di rhytm'n'blues ed è presto affascinato dalle linee intricate dei boppers, ma le difficoltà tecniche e di apprendimento della teoria musicale lo portano a formulare un nuovo sistema musicale (l'armolodia) che pochi finora hanno capito.

L'iniziale esiguo numero di fedelissimi conta i conterranei John Carter (clarinetto, sax contralto), Dewey Redman e James Clay (sax tenore), cui si aggiungono Paul Bley, Walter Norris (pianoforte), Bobby Bradford e Don Cherry (tromba), Charlie Haden (contrabbasso), Ed Blackwell e Billy Higgins (batteria).

La carriera di Ornette viene lanciata da John Lewis del Modern Jazz Quartet e dal compositore Gunther Schuller, che lo fanno incidere su etichetta Contemporary insieme a Red Mitchell, Percy Heath e Shelly Manne. Le sue composizioni entrano quasi subito nel repertorio jazz; tra i suoi pezzi più noti, ricordiamo "911" e "Song X"; convince invece meno il suo solismo al sax alto, sghembo e di strana intonazione. Passa all'Atlantic che lo fa collaborare con Eric Dolphy, Freddie Hubbard, Scott LaFaro e Jimmy Garrison. I titoli dei dischi sono slogan promettenti: "Something else", "The shape of jazz to come", "Tomorrow is the question", "Free jazz".

Nel 1962 fonda un trio sperimentale con David Izenzon e Charles Moffett; dopo il celebre Town Hall concert, in cui viene anche eseguito il suo primo quartetto d'archi, si ritira dalla scena musicale per tre anni, durante i quali studia la tromba e il violino, che suona con tecniche non ortodosse.

Nel 1966 l'uscita di The Empty Foxhole, con Haden e suo figlio Denardo Coleman (di soli 10 anni), viene accolta con molti dissensi. Gira l'Europa col trio, e tornato in America tenta organici diversi. Negli anni '70 fonda anche un gruppo di jazz elettrico, il Prime Time, con esiti artistici discontinui. Collabora con gli etnici Masters of Jujuka e con suonatori sardi di launeddas, oltre che con Jackie McLean (1967), Pat Metheny (1986), Jerry Garcia (1988) e Howard Shore (1991). In all languages (1987) presenta le stesse composizioni suonate dal quartetto classico e poi dal Prime Time. Negli anni '90 suona in quartetto con Geri Allen e in duo con Joachim Kuhn, e nel 2000 incontra Lee Konitz sul palcoscenico di Umbria Jazz. Nel 2003 e nel 2007 torna all'Umbria Jazz con due applauditissimi concerti all'Arena Giuliana. Il 16 agosto 2007 ha anche aperto, con il suo quartetto, la 27esima edizione del Roccella Jazz Festival.

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Don Cherry Biografia

2008-02-07T06:35:00.000-08:00

Don Cherry

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Don Cherry (18 novembre 1936 – 19 ottobre 1995) è stato un trombettista jazz di indole innovatrice, molto legato al sassofonista Ornette Coleman.

Cherry è nato a Oklahoma City ma è cresciuto a Los Angeles, California.

Cherry conobbe la notorietà in ambito jazz nel 1958, insieme ad Ornette Coleman, prima in un quintetto con il pianista Paul Bley e successivamente in quartetto senza piano registrando principalmente per la Atlantic Records. Cherry appare in vari ruoli con i leader-band degli anni '60: è stato co-leader della sessione di Avant-Garde con John Coltrane, ha registrato e suonato in tour con Sonny Rollins, è statp co-leader dei New York Contemporary Five a Manhattan, ha registrato e suonato in tour con Albert Ayler e George Russell.

Visse poi per degli anni a Parigi e in Svezia.

Oltre al bebop, Cherry era influenzato dal Middle East jazz, la musica tradizionale africana e indiana. Emblema di queste influenze è il suo album Relativity Suite.

Appare sull'album di Coleman del 1971 dal titolo Science Fiction, e negli anni '70 e '80 si riunisce con i discepoli di coleman Dewey Redman, Charlie Haden, e Ed Blackwell nel gruppo Old And New Dreams.

Il gruppo di "world jazz" Codona, formato da Cherry, il percussionista Nana Vasconcelos e al sitar e alla tabla Collin Walcott, registrò tre album con la ECM.

Ha continuato a cogliere un vasto numero di opportunita, con l'album Escalator Over The Hill di Carla Bley o registrando con Lou Reed, Ian Dury, Rip Rig & Panic e Sun Ra.

Durant gli anni '80 ha registrato nuovamente con il quartetto originale di Ornette Coleman in In All Languages, e nell'album El Corazon, insieme a Ed Blackwell.

Don Cherry morì a Málaga, in Spagna.

Le sue figlie Neneh Cherry e Titiyo e suo figlio Eagle-Eye Cherry sono anch'essi musicisti.

Discografia selezionata [modifica]

The Avant-Garde (con John Coltrane) (1961)
Complete Communion (1965)
Symphony for Improvisers (1966)
Where is Brooklyn? (1966)
Eternal Rhythm (1968)
Brown Rice (1975)
El Corazon (1982)

con Ornette Coleman [modifica]

Something Else! The Music of Ornette Coleman (1958)
The Art of the Improvisers (1959)
Tomorrow is the Question (1959)
The Shape of Jazz to Come (1959)
Change of the Century (1960)
This is our Music
Free Jazz: A Collective Improvisation (1960)

Collegamenti esterni [modifica]

(EN) [1]
(EN) Discografia su eagle-eye-cherry.com
(EN) Discografia

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Estratto da "http://it.wikipedia.org/wiki/Don_Cherry"

Categorie: Trombettisti jazz | Trombettisti statunitensi

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Billy Cobham Biografia

2008-02-07T06:34:00.001-08:00

Billy Cobham

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Billy Cobham

Billy Cobham (Panamá, 16 maggio 1944) è un batterista e compositore panamense.

	« è senz'altro il feeling la cosa più importante, la tecnica viene sempre dopo »

[1]

Oltre ad essere un musicista di talento innato, Billy Cobham è anche un raffinato ed originale compositore che ha saputo spaziare da un genere all'altro senza porre alcun limite alla sua musica, ciò è dimostrato da una vasta discografia e dalle numerose collaborazioni con artisti provenienti da tutto il mondo. Già nella fine degli anni sessanta ha rivoluzionato il modo di concepire le parti destinate alla batteria, aggiungendo una forza creativa all'ambito ritmico ed assegnando ad esso una centralità senza precedenti. Proprio per questi fattori è riconosciuto come il più influente batterista jazz-fusion nonchè uno dei più virtuosi per la sua potenza e tecnica percussiva. Ha raggiunto l'apice della fama a metà degli anni settanta divenendo uno dei musicisti più imitati nell'ambito jazz, fusion e rock

Indice

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Biografia [modifica]

Nato a Panama, a soli 3 anni si trasferisce a New York con tutta la sua famiglia. In questa metropoli frequenta la High School of Music and Art, diplomandosi nel 1962.

Ad una domanda su quali fossero state le tecniche dei batteristi dai lui maggiormente studiate rispose:

	« Ho studiato le tecniche di Max Roach, Art Blakey, Roy Haynes ma anche molti altri grandi del jazz, ecco da dove sono nato. »

L'esordio nel mondo del jazz [modifica]

Terminati gli studi entra nella banda dell'esercito degli Stati Uniti dal 1965 al 1968. In seguito al congedo, Cobham viene contattato dal pianista Horace Silver ed entra nel suo gruppo per circa un anno (vi rimane otto mesi, durante i quali partecipa a molti concerti dei quali oggi rimangono alcune registrazioni video, disponibili anche in rete). Nello stesso periodo suona e registra con il sassofonista Stanley Turrentine, l'organista Shirley Scott, ed anche con George Benson.

Nel 1969 si unisce al gruppo jazz rock "Dreams" di cui fanno parte i fratelli Brecker ed il chitarrista John Abercrombie.

In contemporanea lo chiama Miles Davis e lo fa suonare con lui in diversi dischi tra cui A tribute to Jack Johnson e il celebre Bitches Brew (che ha dato vita in un certo senso alla fusion). Fatto strano è che in alcuni dischi del trombettista è uncredited, ma come è stato molte volte spiegato, ciò è dovuto ai problemi contrattuali dell'epoca e alle relative concessioni da parte delle case discografiche.

Il periodo Mahavishnu [modifica]

Nel 1971 lui e il chitarrista John McLaughlin lasciano Miles Davis e formano la Mahavishnu Orchestra che presto passerà alla storia con due formidabili dischi. A partire dal brano di apertura Meeting Of The Spirits di Inner Mounting Flame, emergono fin da subito un'energia ed una tecnica fuori dal comune e nasce così un nuovo linguaggio musicale. Questa esperienza gli porterà fortuna e successo perché da quel momento in tanti chiederanno la sua collaborazione. Esistono molti bootleg e video dei concerti dei tour europeo ed americano, oggetti molto ricercati tra fan.

Ma il sodalizio tra i componenti della Mahavishnu Orchestra si dissolve dopo solo 4 anni, a causa di conflitti artistici ben spiegati in un libro pubblicato recentemente Power, Passion and Beauty: The Story of the Legendary Mahavishnu Orchestra. Billy Cobham, del resto, aveva già in mente di iniziare la sua carriera come solista perchè la difficoltà dei brani a cui era sottoposto lo faceva sentire sotto pressione, avvertiva la necessità di sentirsi più libero.

Nel 1973 dopo Inner mounting flame e il successivo Birds of Fire la Mahavishnu Orchestra inizia le registrazioni di The Lost Trident Sessions che a causa delle divergenze notevoli tra McLaughlin e Jan Hammer non verrà mai pubblicato fino al 2002. (In questo album si notano già alcuni pattern che Cobham inserirà in Spectrum)

Spectrum e gli anni settanta [modifica]

è sempre nel 1973 che in un momento di grande creatività e libertà artistica esce Spectrum, unanimemente considerato il suo miglior album, ed uno degli album "jazz-rock" più venduti di tutti i tempi. Facendosi così conoscere al mondo come il batterista che univa la scuola e gli arrangiamenti del jazz all'energia del rock.

E' enorme il contributo innovativo di quest'album al genere fusion: in esso emergono parti futuristiche e introspettive che antecedono brani ormai divenuti "standard" come Stratus o Red Baron. Non è casuale la scelta del virtuoso Tommy Bolin (cardine fondamentale del disco) oltre a quella di altri musicisti di notevole caratura riconosciuti universalmente come Ron Carter, Lee Sklar, Jan Hammer.

Importante è la collaborazione con George Duke presente i molti suoi dischi come A Funky Thide Of Sings o Life & Times usando talvolta lo pseudonimo di "Dawilli Gonga". Probabilmente la sua migliore performance è quella avvenuta al Montreux Jazz Festival nel 1976 con Alphonso Johnson e John Scofield e lo stesso George Duke. Da questa collaborazione uscirà Billy Cobham / George Duke Band live in Europe.

Molto importanti per la carriera di Cobham sono gli album : Crosswinds , Total Eclipse e il mistico Inner Conflicts.

Nel 1977 Cobham passa all'etichetta CBS, la quale lo rende maggiormente accessibile a progetti più commerciali. In questi anni produce degli album che mirano alla piacevolezza di ascolto, caratterizzati da una minuziosa pulizia della registrazione e da arrangiamenti raffinati con groove "disco": Magic/ Symplicity of Expression Depth Of Though e Simplicity Of Expression che contengono brani melodici e leggeri come Bolinas, Pocket Change ma c'è un brano molto impegnativo che conserva lo stile esplosivo: La Guernica. In questo gruppo di album alla fine degli anni settanta esce B.C, rarissimo e non molto conosciuto dal grande pubblico.^{[citazione necessaria]}

Oltre agli album che lo vedono come leader, rimane notevolmente attivo come session drummer e si focalizza su questa opportunità ancor più alla fine degli anni settanta. John McLaughlin nel 1978 sceglie di nuovo il suo tocco in Electric Guitarist che segna l'inizio di un nuovo perdiodo per la fusion. Da notare come i due leader non suonavano insieme nello stesso album dal 1973 (Love Devotion Surrender di Santana / McLaughlin), se si esclude la loro presenza nell'album School Days di Staley Clarke pur non registrando insieme nello stesso brano.

Gli anni ottanta [modifica]

Alla fine del 1979 Billy si trova ad Englewood Cliffs nel New Jersey per registrare il disco New York Slick di Ron Carter. Tra i due c'è sempre stata una grande collaborazione ed un'intesa sin dalle partecipazioni in numerosi album di stelle jazz già affermate. Nei primi anni ottanta infatti si vedono insieme in numerosi concerti con Herbie Hancock nel celebre Trio Hurricane e compaiono insieme nell'album Uptown Conversation dello stesso Ron Carter.

Dal 1980, realizza con l'etichetta CBS nuove collaborazioni e situazioni musicali, suonando dal vivo con i Grateful Dead, Jack Bruce, e perfino nella Saturday Night Live band. Il progetto parallelo Bobby & the Midnites (dei Greteful Dead) lo vede nuovamente impegnato con la band.

Nel 1982 registra tre album per l'etichetta Elektra con la nuova formazione da lui creata e denominata Glass Managerie (con l'esordiente Mike Stern, Gil Goldstein, Tim Landers, Michael Urbaniak). Inoltre viene pubblicato un disco live Flight Time con la presenza del pianista Don Grolnick, che è l'autore del brano migliore: The Whisperer che inizia con un fade in ritmato da grancassa, battito di mani del pubblico, e fender rhodes.

Nel 1984 dopo sei anni John McLaughlin vuole nuovamente la sua partecipazione all'album Mahavishnu che conserva ancora il nome del gruppo che li aveva resi celebri Mahavishnu Orchestra. Sarà spesso ospite in trasmissioni televisive europee [2],[3] di cui si ricorda particolarmente quella avvenuta alla trasmissione di RAIUNO Fantastico nel 1984 in cui lui e Tullio De Piscopo vengono accolti da un pubblico caloroso e nella quale si esibiscono in un Drum Contest in diretta [4]. Al termine dello show gli spettatori li acclamano con una lunga ovazione relegata oggi agli archivi Rai.

Registra per la GRP Powerplay, Picture This, Warning album orientati sempre di più commercialmente nei quali l'artista si avvicina all'elettronica e nei quali avviene un ritorno alle origini con sonorità che ricordano l'Africa miscelato ad un uso di strumentazioni e suoni digitalizzati. Caratteristica originale di questi tre album è che essi sono concepiti per essere reinterpretati e suonati dal vivo. Cobham ritornerà ospite alla RAI nel dicembre del 1987 e gli verrà dedicata una settimana di interviste al programma televisivo D.O.C di Renzo Arbore condotto da Gegè Telesforo [5].

Negli anni successivi continua i suoi tour internazionali, assorbendo una dose vitale di World Music.

Dal 1990 al 2005 [modifica]

Nel 1990 viene contattato da Peter Gabriel per la creazione della colonna sonora del film L'ultima tentazione di Cristo diretto da Martin Scorsese.

Nel 1994 Stanley Clarke registra Live at the Greek con lui, Larry Carlton, Deron Johnson e Najee.

Ispirato da un soggiorno in Brasile registra l'album The Traveller. Nel 1996 forma una quartetto orientato maggiormente ai suoni acustici chiamato Nordic con tre musicisti norvegesi. L'anno successivo invece si concentra su un progetto prodotto in Germania e registra: Paradox. Per tutti questi anni Cobham mantiene la sua attività incessante di touring come leader o con musicisti noti al mondo jazz (tra cui Kenny Baron e l'amico di vecchia data Ron Carter). Nel frattempo escono molteplici antologie e raccolte che tentano di sintetizzare e selezionare il grande lavoro discografico.

dal 2006 ad oggi [modifica]

Nel 2006 realizza l'album "Drum'n voice 2" con ospiti come Jan Hammer, Buddy Miles, John Patitucci, Jeff Berlin,Dominic Miller, Mike Lindup, Airto Moreira, Frank Gambale, Brian Auger, Guy Barker e i Novecento.

Rilascia in questo periodo un intervista:[6], [7], [8]

Fra poco uscirà il film-documentario Sonic Mirror dedicato all'impegno umanitario di Billy Cobham per i bambini che hanno difficoltà sociali nel Sud America. Il suo ruolo è trasmettere un messaggio di armonia e di forza attraverso il ritmo.

Attualmente è impegnato nel consueto US Spectrum Tour con Dean Brown, Brian Auger e Baron Browne.

Discografia [modifica]

1970

Billy Cobham - Spectrum (WEA)
Billy Cobham - Crosswind (WEA)
Billy Cobham - Total Eclipse (WEA)
Billy Cobham - Shabazz (WEA)
Billy Cobham - A Funky Thide Of Things (WEA)
Billy Cobham - Life and Times (WEA)
Billy Cobham - Cobham/Duke Live (WEA)
Billy Cobham - Inner Conflicts (WEA)
Billy Cobham - Magic/ Symplicity of Expression Depth Of Thought (CBS)
Billy Cobham - Simplicity of Expression
Billy Cobham - B.C (album rarissimo)

1980

Billy Cobham - Flight Time (InAkustik)
Billy Cobham - Stratus (InAkustik)
Billy Cobham - Observations & Reflections (Elektra/Musician)
Billy Cobham - Smokin’ (Elektra/Musician)
Billy Cobham - Warning (Eagle Rock)
Billy Cobham - Power Play (Eagle Rock)
Billy Cobham - Picture This

1990

Billy Cobham - The Traveler (Eagle Rock)
Billy Cobham - Nordic (Eagle Rock)
Billy Cobham - Nordic / Off Color (Eagle Rock)
Billy Cobham - By Design
Billy Cobham - Focused
Billy Cobham - Ensemble New Hope Street (Eagle)
Billy Cobham - North By NorthWest (Creative MultiMedia Concepts)
Billy Cobham - Incoming (K-tel)
Billy Cobham - Paradox - Paradox (Enja)
Billy Cobham - Paradox - First/Second (Enja)
Billy Cobham - Best Of (Atlantic)

2000 - Presente

Billy Cobham - Drum and Voice ( Nicolosi Productions - Just Groove)
Billy Cobham - Art Of Three (In And Out Records)
Billy Cobham - Billy Cobham Culture Mix (In And Out Records)
Billy Cobham’s Culture Mix - Colours (In And Out Records)
Billy Cobham - The Art Of Five (In And Out Records)
Mississippi Nights: Billy Cobham Live
Billy Cobham - Drum'n'voice 2 (Nicolosi Production - Just Groove) 2006

Alcune partecipazioni ad altri album

1960

Horace Silver - You’ve got to take a little love (Blue Note)
Kenny Burrell - God Bless The Child (CTI)
Dreams - Dreams (CBS)
Dreams - Imagine My Surprise (CBS)
Miles Davis - Jack Johnson (CBS)
Miles Davis - On the Corner (CBS)
Miles Davis - Live Evil (CBS)
Miles Davis - Bitches Brew (CBS)
George Benson - Giblet Gravy (Verve)

Quincy Jones - The Anderson Tapes (A&M)

1970

George Benson - White Rabbit (CTI)
James Brown - Make It Funky: The Big Payback 1971-1975
Miles Davis - Get Up With It (CBS)
Miles Davis - Circle in the Round (CBS)
Miles Davis - Directions (CBS)
Sonny Rollins - Don’t Stop The Carnival (Milestone) 1978
Ron Carter - Uptown Conversation
Mahavishnu Orchestra - Inner Mounting Flame (CBS)
Mahavishnu Orchestra - Birds of Fire (CBS)
Mahavishnu Orchestra - Between Nothingness and Eternity (CBS)
Milt Jackson - Sunflower (CTI)
Deodato - Prelude (CTI)
John McLaughlin - My Goals Beyond (Elektra/Musician)
John McLaughlin - Electric Guitarist
Santana/McLaughlin - Love Devotion Surrender (CBS)
Carly Simon - Hotcakes
Quincy Jones - I Heard That (A&M)
Gil Evans - Live at the Public Theater (Trio/Japan)
Brothers Johnson - Lookout for Number one (A&M)
Mose Allison - Western Man (Atlantic)
Mose Allison - Lessons in Living (Elektra/Musician)
Les McCann - Invitation To Openness (Atlantic)
Randy Weston - Blue Moses (CTI)
Miroslav Vitous - Purple (CBS)
Gene Ammons - Big Bad Jug (Prestige)
Ray Barretto - The Other Road (Fania)
Stanley Clarke - School Days (Epic)
McCoy Tyner - Fly With The Wind (Milestone)
Don Sebesky - Giant Box (CTI)
Johnny Hammond - Breakout (Kudu)
Johnny Hammond - Rock Steady (Kudu)
Grover Washington - Soul Box (CTI)
Grover Washington - All The King’s Horses (CTI)
Al Johnson - A Live Mother for Ya! (CBS)

1980

Ron Carter - New York Slick (1980)
Mahavishnu Orchestra - Mahavishnu (1984)
Larry Coryell - Spaces Revisited (Shanukie)
Larry Coryell - The Essential Larry CoryelI (Vanguard)
Larry CoryeIl - Spaces (Vanguard)
Arif Mardin - Journey (Atlantic)
Mark Almond - Rising (Epic)
Freddie Hubbard - Sky Dive (CTI)
California Concert - (CTI)
Consortium - Consortium (Mood)
Cargo - Cargo (Bert on)
Bobby and the Midnites - (Arista)
Roberta Flack/Donny Hathaway - You’ve Got a Friend (WEA)
Clarke/Duke Project - Atlantis (Epic)
Fania All stars - Our Latin thing (Fania)

1990 - Presente

Stanley Clarke, Larry Carlton, Billy Cobham, Najee Live at the Greek - (Epic)
Jazz Is Dead - Blue Light Rain CD(Zebra/WEA)
Peter Gabriel - Passion (Real World)

Aneddoti e fatti che riguardano la vita di Billy Cobham [modifica]

Il primo album di Cobham - il lavoro interamente strumentale "Spectrum" - per la qualità dell'incisione era utilizzato nei laboratori dalla rivista specializzata in alta fedeltà "Suono", per provare le doti di tenuta in potenza degli amplificatori audio.
Paul McCartney lo chiamò per formare i Wings ma lui pensò che si trattasse di uno scherzo e riagganciò il telefono
Tra i suoi batteristi preferiti ha citato Stewart Copeland dei Police
Tullio De Piscopo del quale è amico lo ha definito "Quello che ha rivoluzionato la batteria dal 70 in poi" [9].
Nel concerto a Montreux del 76 lo si vede parlare tranquillamente con il tecnico del suono dietro di lui durante un brano di difficoltà notevole.
suonando è solito riposizionarsi gli occhiali velocemente scivolati per causa del sudore.
Abita a Zurigo da 26 anni
Nel concerto live Mahavishnu Orchestra @ BBC "Sounds for Saturday" suona con la batteria Fibes in Plexiglass, la stessa che usa in Spectrum [10].
Il brano "Stratus" grazie al suo groove incalzante e alla linea di basso innovativa e orecchiabile è stato utilizzato nella colonna sonora di molti programmi televisivi di tutto il mondo.
Dennis Chambers ha raccontato che, la prima volta che sentì Cobham suonare, rimase vivamente impressionato e si disse: "Voglio suonare come lui."
Il programma televisivo musicale D.O.C gli dedicò alcune giornate nel dicembre del 1987. In un clima molto divertente e amichevole lo si vede scherzare insieme a Gegè Telesforo e in alcuni momenti anche con Renzo Arbore.

Collegamenti esterni [modifica]

Sito Ufficiale

Billy Cobham

Sonic Mirror

Video [modifica]

Jack DeJohnette

2008-02-07T06:32:00.000-08:00

Jack DeJohnette

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Jack DeJohnette (Chicago, 1942) è un batterista jazz statunitense.

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Biografia [modifica]

	« DeJohnette mi dava un groove profondo su cui mi piaceva da morire suonare »
	(Miles Davis, L'Autobiografia con Quincy Troupe)

Dotato di grande tecnica, DeJohnette ha frequentato gli stili più diversi (hard bop,fusion al free jazz al post bop). Il suo drumming si segnala per un notevolissimo senso del tempo, grande inventiva e capacità d'improvvisazione. Iniziò la sua carriera come pianista, veste nella quale partecipò anche a diverse sedute di registrazione, ma già da adolescente aveva studiato la batteria che diviene lo strumento privilegiato. Nei primi anni Sessanta suona con John Coltrane.

Nel 1966 si trasferisce a New York, dove è nuovamente con Coltrane e Jackie McLean. La sua vera occasione arriva nel 1966 quando antra nel quartetto di Charles Lloyd, con il quale resta per due anni. La fortuna gli arride ancora nel 1969 quando Miles Davis lo chiama nel suo gruppo stellare al posto di Tony Williams, e vi rimane fino al 1972, partecipando tra l'altro alla registrazione del seminale album Bitches Brew, ed incontrandovi Keith Jarrett, il suo partner di molte avventure artistiche a venire.

Dopo l'esperienza con Davis, registra alcuni dischi da leader e sideman con la casa discografica ECM, e crea la sua prima band permanente, "Directions" che apre la strada al secondo gruppo chiamato "New Directions". Agli inizi del 1979 guida gli "Special Edition", combo superlativo che incide degli ottimi dischi e diviene di tendenza negli anni Ottanta.

Dal 1983 è membro stabile del trio pianistico di Keith Jarrett. Naturalmente alterna a questo impegno progetti con altri musicisti, come il sassofonista John Surman o il trio "Gateway".

Nel 2006 De Johnette con il Trio Beyond pubblica "Saudades" per l'etichetta tedesca ECM. Saudades è un doppio live registrato durante un concerto che il trio ha tenuto alla Queen Elizabeth Hall di Londra il 21 novembre del 2004. I brani sono presi principalmente da due album del repertorio del Tony Williams Lifetime, ma non mancano alcuni classici come la nota "Seven Steps To Heaven" di Miles Davis. Sopraffine la prova di De Johnette, ma anche quella degli altri 2 membri del "Trio Beyond": Goldings all'organo e Scofield alla chitarra.

Collaborazioni [modifica]

Discografia [modifica]

Come leader [modifica]

The DeJohnette Complex (1968)
Ruta and Daitya (con Keith Jarrett) (1972)
Sorcery (1974)
Pictures (1976)
Directions (1978)
Special Edition (1979)
Album Album (1984)
In Our Style (con David Murray) (1986)
Dancing with Nature Spirits (1995)
Oneness (1997)
Invisible Nature (con John Surman) (2000)
Music in the Key of Om (2005), nominato per il Grammy 2006 come miglior album New Age
Music from the Hearts of the Masters (con Foday Musa Suso) (2005)
The Ripple Effect (con Ben Surman e Foday Musa Suso) (2005)
Hybrids (con Ben Surman e Foday Musa Suso) (2005)
The Elephant Sleeps but Still Remembers (con Bill Frisell) (2006)
Saudades (con il Trio Beyond: DeJohnette - Goldings - Scofield) (2006)

Da co-leader [modifica]

Parallel Realities (1990), con Pat Metheny e Herbie Hancock

Con i Gateway [modifica]

I Gateway sono un trio con John Abercrombie e Dave Holland:

Gateway (1975)
Gateway 2 (1977)
Homecoming (1994)
In The Moment (1994)

Collegamenti esterni [modifica]

(EN) Sito ufficiale

Dexter Gordon Biografia

2008-02-07T06:29:00.002-08:00

Dexter Gordon

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Dexter (Keith) Gordon (27 febbraio 1923 - 25 aprile 1990) fu un musicista jazz statunitense, virtuoso del sassofono tenore. Considerato uno dei padri del bebop, il suo percorso musicale è costellato di collaborazioni preziose : Lionel Hampton, Tadd Dameron, Charles Mingus, Louis Armstrong, Dizzy Gillespie.

Dexter Gordon live in Amsterdam (1980)

Il suono che Gordon riusciva ad ottenere era pieno e spazioso (una caratteristica in parte dovuta al suo fisico imponente^[1]) e la sua tendenza a suonare laid back, vale a dire dietro il tempo.

In gioventù il suo stile fu fortemente influenzato da quello di Lester Young. Dexter Gordon fu uno di quegli strumentisti che, pur senza introdurre fondamentali innovazioni linguistiche (come fecero per il sassofono Charlie Parker o John Coltrane) ha tuttavia lasciato un'eredità tecnica e stilistica chiaramente individuabile in molti sassofonisti jazz contemporanei, specialmente per quello che riguarda la sua interpretazione delle ballads^[2]. Il produttore Ira Gitler, nelle note di copertina dell'album Doin' all right, afferma che lo stile di Gordon nei primi anni influenzò tanto Coltrane quanto Sonny Rollins, e che egli sarebbe stato poi influenzato da loro.

Trascorse 15 anni suonando e vivendo in Europa, principalmente a Parigi e Copenaghen, collaborando regolarmente con alcuni jazzmen espatriati quale Bud Powell, Freddie Hubbard, Bobby Hutcherson, Kenny Drew, Horace Parlan e Billy Higgins. Occasionalmente tornò negli Stati Uniti per registrare molti degli album usciti sotto il suo nome, ma sono i sette album che ha registrato per la Blue Note Records negli anni sessanta (Doin' Allright, Dexter Calling..., Go, A Swingin' Affair, Our Man in Paris, One Flight Up, e Gettin' Around) ad essere considerati le sue opere migliori.

Il ritorno negli Stati Uniti avvenne nel 1976. L'esibizione di quell'anno al Village Vanguard di New York fu un nuovo inizio dal punto di vista sia discografico che artistico, e la critica finalmente lo riconobbe come uno dei migliori sassofonisti jazz.

L'improvvisa crescita di popolarità di Dexter Gordon solleticò le attenzioni della Columbia Records: il fatto che la nota etichetta si interessasse al jazz acustico "tradizionale" piuttosto che agli stili commerciali che erano comunque stati promossi durante la prima parte degli anni settanta fu vista come una svolta nella discografia mondiale del jazz.

Mentre era in prigione per possesso di eroina, Gordon divenne un appassionato di cinema, e per questo nel 1986 accettò con entusiasmo di interpretare la parte del protagonista nel film di Bertrand Tavernier Round Midnight - A mezzanotte circa, ispirato alla vita di Bud Powell e Lester Young.

Inoltre, attraverso la foto scattatagli da Herman Leonard al Royal Roost nel 1948, Dexter Gordon è divenuto parte integrante dell'iconografia del jazz.

Fra i successi e le soddisfazioni personali, la storia di Gordon può annoverare una nomina dalla Awards Academy come miglior attore protagonista ed una nomina come miglior musicista dell'anno 1978 e 1980.

Muore il 25 aprile del 1990 all'età di 67 anni.

Discografia [modifica]

Cohn, Al / Gordon, Dexter / Sims, Zoot - We Three: Tenor Sax Legends (1995)
Art Of The Ballad (1998)
At Montreux (1970)
Ballads (1991)
Best Of Dexter Gordon: The Blue Note Years (1988)
Blue Dex: Dexter Gordon Plays The Blues (1996)
Bopland: The Legendary Elks Club Concert L.A. 1947 (2004)
Ca' Purange (1972)
Classic Blue Note Recordings (2003)
Come Rain Or Come Shine (1989)
Complete Prestige Recordings (2004)
Complete Trio & Quartet Studio Recordings Box Set; Limited Edition
Daddy Plays The Horn (1958)
Dexter Calling (1956)
Dexter Digs In: The Young Dexter Gordon (2005)
Dexter Rides Again (1947)
Dexterity (December 19, 2006)
Doin' Alright (1961)
Gettin' Around (1965)
Go! (1962)
Heartaches
Homecoming: Live At The Village Vanguard (1976)
Jazz Moods: 'Round Midnight (2005)
Jumpin' Blues (1970)
L.T.D.: Live At The Left Bank (2001)
Live At Carnegie Hall (Complete) (1998)
Live At The Both/And Club (2003)
Manhattan Symphonie (1978)
Misty
More Power (1969)
Mosaic Select - Dexter Gordon
Music For Lovers (2006)
One Flight Up (1964)
Other Side Of Round Midnight (1985)
Our Man In Paris (1963)
Panther! (1970)
Quartet (2006)
Rainbow People
Resurgence Of Dexter Gordon (1960)
Settin' The Pace (1999)
Sophisticated Giant (1977)
Swingin' Affair (1962)
Tangerine (1972)
Timeless (2003)
Tower Of Power! (1969)
Wee Dot
XXL (1969)
Gordon Dexter & Hampton Lionel - Lionel Hampton & Dexter Gordon

Collegamenti esterni [modifica]

Sito Web

Ron Carter Biografia

2008-02-07T06:29:00.001-08:00

Ron Carter

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Ron Carter (Ferndale, 4 maggio 1937) è un contrabbassista statunitense.

Ron Carter è considerato uno dei più originali e tecnicamente superbi contrabbassisti del mondo.

Noto per la sua eleganza e sobrietà nel suonare durante i concerti (quasi sempre in giacca e cravatta)

Iniziò all'età di 10 con il violoncello, ma quando la sua famiglia si spostò a Detroit, trovò molte difficoltà di carattere razziale coi musicisti classici e così si dedicò al jazz. Ha suonato nella Eastman School's Philharmonic Orchestra, diplomandosi poi nel 1959. Grazie al suo suono unico e pieno di swing è molto ricercato come musicista da studio per le registrazioni — le sue apparizioni su 2.500 album lo rendono uno dei bassisti più-registrati nella storia del jazz.

Carter è arrivato alla notorietà nei primi anni sessanta con il secondo grande quintetto di Miles Davis, che includeva anche Herbie Hancock, Wayne Shorter e Tony Williams. Ha anche partecipato ad alcuni progetti solisti con Hancock e Shorter. Ha suonato e registrato con Billy Cobham, Kenny Barron, Antonio Carlos Jobim, Eric Dolphy, McCoy Tyner, Stanley Turrentine, Freddie Hubbard, Stan Getz, Coleman Hawkins, Joe Henderson, Horace Silver, Kenny Burrell, Milt Jackson, e molti altri importanti artisti jazz, e ha registrato circa 20 album come bandleader.

Con Billy Cobham e Herbie Hancock stringe un'amicizia fin dai tempi di Miles Davis, e con loro forma nel 1981 il trio Hurricane dal successo planetario.

È apparso nell'album Low End Theory del gruppo di hip-hop alternativo A Tribe Called Quest.

Si è distinto come Professore Emerito al dipartimento di musica del City College of New York, insegnandovi per 18 anni, recentemente ha ricevuto il dottorato Honoris Causa al Berklee College of Music, nella primavera del 2004.

Indice

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Discografia selezionata [modifica]

Come leader [modifica]

Friends (10 agosto 1993)
Jazz, my Romance (1 dicembre 1994)
Mr. Bow-Tie (9 gennaio 1996)
Brandenburg Concerto (1996)
The Bass and I (23 settembre 1997)
So What (2 novembre 1999)
Orfeu (2 novembre 1999)
When Skies are Grey (13 febbraio 2001)
Holiday in Rio (23 marzo 2001)
Stardust (2 luglio 2002)
Eight Plus (Nonet) (25 febbraio 2003)
The Golden Striker (2003)

Partecipazioni [modifica]

Eric Dolphy - Out There (1960)
Wes Montgomery - So Much Guitar (1961)
Miles Davis - Quiet Nights (1962)
Herbie Hancock - Empyrean Isles (1964)
Miles Davis - Miles Smiles (1966)
Miles Davis - Miles In the Sky (1968)
McCoy Tyner - Extensions (1970)
Quincy Jones - Gula Matari (1970)
Freddie Hubbard - Red Clay (1970)
Donald Byrd - Electric Byrd (1970)
Roberta Flack - Quiet Fire (1971)
Billy Cobham - Spectrum (1973)
The Wiz (Original Motion Picture Soundtrack) (1978)

Video & Audio [modifica]

NY Slick

Collegamenti esterni [modifica]

John Coltrane Biografia

2008-02-07T06:28:00.000-08:00

John Coltrane

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John Coltrane

Nazionalità	USA
Genere	Avant-garde jazz, bebop, hard bop, jazz modale, free jazz
Periodo attività	1946 - 1967
Strumento	{{{Strumento}}}
Etichetta	{{{Etichetta}}}
Band attuale	{{{Band attuale}}}
Band	{{{Band precedenti}}}
Album pubblicati	{{{Numero totale album pubblicati}}}
Studio	{{{Numero album studio}}}
Live	{{{Numero album live}}}
Raccolte	{{{Numero raccolte}}}
Sito ufficiale	johncoltrane.com
Si invita a seguire lo schema del Progetto Musica

« Non c’è mai fine. Ci sono sempre dei suoni nuovi da immaginare, nuovi sentimenti da sperimentare. E c’è la necessità di purificare sempre più questi sentimenti, questi suoni, per arrivare ad immaginare allo stato puro ciò che abbiamo scoperto. In modo da riuscire a vedere con maggior chiarezza ciò che siamo. Solo così riusciamo a dare a chi ci ascolta l’essenza, il meglio di ciò che siamo. »

John William Coltrane (Hamlet, 23 settembre 1926 – New York, 17 luglio 1967) è stato un sassofonista statunitense.

Tra i più grandi sassofonisti della storia del jazz, ha sicuramente lasciato un segno profondo nel tessuto di questa musica. "Trane", come fu anche soprannominato per il suo irruento fraseggiare, è stato uno dei più importanti innovatori del jazz degli anni sessanta, ponendosi come cerniera tra la poetica del bebop e la rivoluzione del free jazz.

Il pensiero musicale di Coltrane, colto nelle diverse fasi della sua evoluzione, ha creato folle di proseliti e di imitatori tutt'oggi attivi sui più disparati palcoscenici del mondo. Il passaggio breve ma intenso, di questo grande musicista, sulla scena del jazz ha marcato un profondo discrimine tra la musica degli anni cinquanta e quella degli anni seguenti: in appena un secolo di storia, il jazz si è trasformato da musica popolare in musica colta.

Biografia [modifica]

Gli inizi [modifica]

Unico figlio di John Robert Coltrane, sarto e con l'hobby della musica (suonava l'ukulele e il violino) e di Alice Blair, crebbe con la cugina Mary a High Point. A dodici anni perse il padre, seguito da altri lutti familiari. A tredici anni entrò nella banda dei boy scout come clarinettista e al liceo iniziò a suonare anche il sax contralto.

Nel 1943 si diplomò e si trasferì in cerca di lavoro a Philadelphia, frequentando la "Omstein School Of Music". Nel 1945 svolse il servizio militare alle Hawai, come clarinettista della banda militare della Marina. Tornato a Philadelphia entrò nel gruppo di Joe Webb e quindi in quello di Eddie Vinson, passando al sax tenore e dedicandosi al rhythm and blues. Nel 1948 entrò a far parte dell'orchestra dell'Apollo Theatre di Harlem a New York. A Philadelphia suonò ancora con i fratelli Heath, con Cal Massey, con Howard McGhee e con l'orchestra di Dizzy Gillespie, in cui suonava il sax contralto. Nel 1951 l'orchestra si trasformò in un settetto e Coltrane passò nuovamente al sax tenore: con questa formazione registrò il primo pezzo a Detroit il 1 marzo.

Nel 1952 entrò nel gruppo di Earl Bostic e nel 1953 iniziò ad avere problemi con il consumo di eroina, a causa della quale viene licenziato dal gruppo di Jonny Hodges.

Nel 1955 si sposò con Juanita Grubbs (Naima) e iniziò a collaborare con Miles Davis.

L’incontro con Miles Davis [modifica]

Quando Rollins tornò a ritirarsi dalla scena, come faceva di tanto in tanto, Davis dovette trovare un sostituto. Philly Joe Jones convinse Miles a chiamare Coltrane per un provino. Davis, all'inizio non era entusiasta, perché aveva ascoltato Coltrane anni prima in una sessione con Rollins che era stato nettamente superiore. Dopo il provino, peró, ne fu impressionato. Coltrane sapeva tutti i brani, teneva anche i tempi velocissimi, aveva un'esecuzione fluida, armoniosa, senza intoppi.
Coltrane si comportò come sempre: sfruttò l'occasione di incontro con un collega più esperto per fargli mille domande. Davis era un uomo che guardava la realtà con occhio lucido, disincantato, talora cinico. Era privo di autentica fede religiosa, in fondo anzi diffidava delle religioni.

Immagine:Miles 1.png

Miles Davis

Nell'organizzare la sua musica non diceva nulla, non spiegava niente a nessuno, manteneva il segreto sulle strutture, sulle soluzioni armoniche, su tutto. Spesso dava le spalle al pubblico per inviare, non visto, segnali gestuali ai suoi. Oppure sussurrava loro all'orecchio.
La musica di Davis si offre all'ascolto come un oggetto sonoro liscio, perfetto, senza cuciture visibili, che non si può capire e smontare. Coltrane, al contrario, aveva una visione del mondo intrisa di irrazionale: divorava libri su qualunque argomento che non fosse scientifico, e talora anche libri di scienza, che comunque leggeva come se fossero libri sapienziali. Però in musica era concreto, pragmatico, materialista: di ogni nota, accordo, progressione, voleva sapere che cos'è, come si fa, come si chiama.
Non sorprende che i due, a prima vista, non si siano amati. Queste incongruenze di carattere infastidirono tantissimo Coltrane, al punto che decise di andarsene. Intanto il quintetto di Davis aveva firmato impegni per l'autunno e Davis dovette quasi pregare Coltrane di tornare. Il 26 ottobre 1955 il quintetto di Davis con Coltrane entrò in sala di incisione e incise per la Columbia quattro pezzi, "Ah-Leu-Cha" "Two Bass Hit", "Little Melonae" e "Budo", usciti poi sparsi in vari dischi. Essi aprono una serie aurea di incisioni per Columbia e Prestige Records effettuate nell'arco di un anno esatto: l'ultima è del 26 ottobre 1956. L’eleganza sembra essere la caratteristica principale di questo quintetto: tutto è liscio, piano, basso e batteria sono fusi in tutt'uno, il ritmo è elastico e incalzante, mai la minima sensazione di sforzo è avvertibile.
La sensazione di unità espressiva era dovuta sia alle ripetute prove sia all'affiatamento. Ogni pezzo era arrangiato con cura, ma l'arrangiamento è nascosto, spesso consiste di piccoli scintillanti tocchi isolati: una nota, un accordo del piano, un frammento melodico interpolato. Altri meccanismi sono più complessi, ma non meno nascosti al pubblico. In brani come "If I Were A Bell" e "I Could Write A Book", i solisti possono allungare a piacere l'ultimo giro armonico, e avvisano di ciò la ritmica usando come segnali d'avvertimento piccoli frammenti del tema, nascosti nell'assolo. Per far questo occorrono sicurezza e affiatamento assoluti. Una volta messi a punto e interiorizzati i meccanismi, essi dovevano poi suonare tutto d'un fiato, senza pensarci. Nelle sedute dell'11 maggio e del 26 ottobre 1956, Davis fece suonare un'ora e mezza di musica di seguito, senza rifacimenti, come fosse una serata in club. Ne uscirono ben quattro dischi (Cookin', Relaxin', Workin' e Steamin') di incantevole freschezza.
In queste registrazioni si può notare la cura di Coltrane nell’esplorazione del giro armonico del brano: egli lo scavava, lo esplorava, lo sviscerava con foga, quasi con accanimento. Nelle prime incisioni il suo fraseggio è ancora tanto costruito con cura quanto banale. L'assolo in "Budo" è perfetto: mai una coda sciatta, una frase interrotta a mezz'aria. Una simile perfezione colpì l’attenzione di Miles Davis che cercava proprio questo. Il lungo assolo in "Oleo" è addirittura stupefacente: una continua, ininterrotta ghirlanda di frasi. In realtà, però, Coltrane aveva ben altro in mente: in un assolo come quello su "Woodyn' You", specie là dove il pianoforte tace lasciandolo indisturbato nelle sue ardite esplorazioni armoniche, egli non appare più intento a intrecciare ghirlande. Nel suo solismo inizia a fare capolino una nota lamentosa, sforzata, unghiuta, che contrasta in pieno con il solo di Davis. I primi ascoltatori ne furono sorpresi, e si divisero. Alcuni furono subito toccati dal timbro di Coltrane. Vi avvertivano una tensione, un'ansia di esprimere, un grido interiore, che travalicavano la corretta formalità delle frasi. Trasformatosi da quintetto in sestetto, la band di Davis iniziò le spue sperimentazioni nell'ambito dell'imporvvisazione modale con l'album Milestones, del 1958 e toccò il culmine della sua lunga stagione con l'album Kind of Blue, inciso nel marzo del 1959. In esso, Miles Davis compì un altro passo in avanti sulla strada dell'improvvisazione modale. Per ottenere il massimo di spontaneità dai suoi musicisti, li convocò senza preparazione, e nello studio mostrò loro gli schemi dei pezzi con l'indicazione di semplici scale. Niente accordi. Ne risultò una musica dalle forme e dalle linee purissime.
Uno dei cinque brani, "So What", sarebbe entrato stabilmente nel grande repertorio del jazz, diventando la bandiera del movimento modale. "Blue In Green" è una ballade astratta.In "Flamenco Sketches", un pezzo in cui Davis sperimentò una struttura molto ardita, gli esecutori ebbero solo l’indicazione di cinque scale, da suonare nell'ordine, nient'altro. Il numero di battute è ad libitum, e non è spiegato con quale criterio gli improvvisatori passassero da una scala all'altra. L'assolo di Coltrane è di grande bellezza. C’è un attimo di panico nel momento in cui egli insiste a improvvisare sulla quarta scala (la scala flamenco) e rinvia il passaggio alla quinta scala, prendendo in contropiede Bill Evans. Queste strutture, di lunghezza variabile, furono impiegate da Coltrane nel successivo sviluppo della sua musica.

Giant Steps [modifica]

All'inizio del 1959 Coltrane non aveva ancora un gruppo fisso. Ma in questo anno incise sette dischi, tra i quali Kind of Blue e Giant Steps.
Quest'ultimo album segna, per così dire, il punto di inizio della ascesa musicale di John Coltrane. La formazione che entrò in sala di registrazione al fianco del tenorista è la seguente: Tommy Flanagan al piano, Art Taylor alla batteria, Paul Chambers al basso. Il titolo Giant Steps è a doppio senso. Coltrane allude non solo alle scoperte che va facendo di giorno in giorno, ma anche ai paurosi salti che l'improvvisatore deve affrontare di continuo durante l'esecuzione del brano omonimo. L'assillo del bebop è sempre stato quello di affrontare le difficoltà del giro armonico. La difficoltà principale consiste nella modulazione da una tonalità all'altra: essa costringe il musicista a cambiare scala, a cambiare la scelta delle note, cambiando all'istante il suo pensiero musicale. Il salto più ostico è quello fra tonalità a distanza di terza maggiore: ad esempio Si e Mi bemolle, oppure Si e Sol, oppure Mi bemolle e Sol. Le tre tonalità maggiori citate sono proprio quelle che si alternano in Giant Steps. Esse sono alla stessa distanza tra loro, come i vertici di un triangolo equilatero. Il giro armonico di Giant Steps passa di continuo, velocissimo, dall'una all'altra sia in un senso (Si - Sol - Mi bemolle) che nell'altro (Sol - Mi bemolle - Si), e l'improvvisatore non fa a tempo a pensare in una tonalità che già deve passare all'altra, e poi all'altra ancora.
Le tre tonalità sono collegate tra loro utilizzando le cadenze costruite sull'accordo di settima di dominante. In questo modo il salto tra la tonalità di si maggiore e quella di sol maggiore, che si trovano alla distanza di un intervallo di sesta minore , è ridotto. Infatti dopo l'accordo di si maggiore, per cadere in sol maggiore, viene usato l'accordo di re settima, cioè l'accordo di settima di dominante che cade sull'accordo di sol maggiore. Allo stesso modo, per passare dall'accordo di sol maggiore a quello di mi bemolle maggiore bisogna passare all'accordo intermedio di si bemolle settima, cadenza per il mi bemolle maggiore. In questo modo si comprende che il “giant step” è quello che intercorre tra l'accordo di si maggiore e quello di re settima, cadenza per il sol maggiore. Si tratta di un intervallo armonico di terza minore: si maggiore – re settima. A questo punto è comprensibile che il sistema usato da Coltrane per costruire il proprio triangolo armonico deriva dalle sostituzioni dei tritoni. Infatti il tipico turnaround C – A-7 – D7 – G7 può essere sostituito così: C – Eb7 – Ab7 – Db7. Ciò significa che l'intervallo armonico di terza minore era già usato. Coltrane lo ha sviluppato nel modo descritto per collegare le tre tonalità di si, mi bemolle e sol maggiore.

Il ciclo degli accordi di "Giant Steps" può anche essere pensato come un tournaround, o una modulazione. Infatti questo giro armonico può essere utilizzato come sostituzione del normale II-V-I. Ecco la spiegazione. Il tipico II-V-I (es: Re minore – Sol settima – Do settima maggiore) viene così sostituito (due accordi per misura): Re minore, Mi bemolle settima – La bemolle settima maggiore, Si settima - Mi settima maggiore, Sol settima – Do settima maggiore.

Il dato tecnico è tuttavia finalizzato al senso musicale e filosofico dell'opera. Per Coltrane, la scoperta del triangolo Si - Sol - Mi bemolle non poteva non avere un senso numerologico. Esso da questo momento fa capolino in molti altri brani, da "Countdown" a "But Not For Me", a "Central Park West", e perfino a "Body and Soul". La magia del numero assume in Giant Steps forme ricorsive: raffigura un Eterno Ritorno. Coltrane girando vorticosamente dentro questo cerchio prende il volo, e porta a termine un capolavoro di trionfante, inarrestabile forza ascensionale. Gli altri brani del disco non sono molto inferiori. "Countdown" applica il triangolo di "Giant Steps" a un giro armonico ("Tune Up" di Miles Davis), a una velocità ancora maggiore: sono due minuti di materia sonora superdensa, che a causa di tale densità è un poco meccanica, ma è nondimeno di formidabile impatto. Gli strumenti entrano uno alla volta, batteria - sax - piano - basso; quando entra l'ultimo si espone il tema, e il pezzo è finito. Negli altri brani, Coltrane fa continuo uso di pedali, in maniera assai varia: in "Spiral" e nel tenero "Naima" un unico pedale al basso lega tra loro accordi diversi. "Naima", con la sua melodia breve e commossa, divenne ben presto un classico del jazz.

Il quartetto storico [modifica]

Nel 1960 Coltrane forma il suo primo quartetto: vi figurano il pianista McCoy Tyner ed il batterista Elvin Jones che, con il suo drumming possente e l’innovativo approccio ritmico, influenzerà notevolmente la musica del sassofonista. Elvin Jones non si limita a tenere lo swing ma interagisce costantemente con il solista, fornendogli un tappeto ritmico fitto ed incastrato, dal quale in ogni momento si possono derivare spunti per l’improvvisazione.
A partire dal 1961, al posto del contrabbassista Reggie Workman, subentra Jimmy Garrison. Fino a questo momento la maggiore preoccupazione di Coltrane era stata quella di approfondire l’armonia e lo studio degli accordi. La sua profonda smania perfezionista lo aveva condotto ad una assoluta padronanza tecnico-armonica. I soli incisi con il gruppo di Miles Davis, quali ad esempio "Oleo", "Straight no Chaser", come i contemporanei soli suonati su "Moment’s Notice", "Countdown", "Giant Steps", rispecchiano la sua raggiunta perfezione.

Da qui in avanti Coltrane prende coscienza del significato da dare alla propria musica ed inizia la ricerca delle radici e delle origini del jazz, inteso anche come espressione musicale di un popolo, cui egli sa di appartenere. Aspira all’universalità della propria musica, perché ognuno possa comprendere il suo messaggio. Da questo momento Coltrane cessa di essere solamente un formidabile solista e diventa un grande musicista ed un importante innovatore.

Studia la musica modale suonata nel mondo: in Africa, in India, in Spagna, in Cina. Nascono brani come "Liberia", "Venga" "Jaleo", "India", "Brasilia" etc. Inoltre, su incitamento di Miles Davis, intraprende lo studio del sax soprano con cui incide "My Favorite Things" (1960. In questo brano il pianista suona accordi ribattuti, creando un sound ipnotico. Su questo tappeto spicca il soprano di Coltrane somigliante in certi registri a un oboe, e spesso orientaleggiante, grazie all’impiego di certi intervalli cromatici come quelli contenuti nella scala orientale. In altri momenti del solo, il sax riproduce sonorità mistiche tipiche della musica indiana. L’entrata nel gruppo di Elvin Jones, al posto di Billy Higgins, fu decisiva. Infatti, uno degli aspetti più importanti del gruppo consiste nell’affiatamento tra pianoforte e batteria, ed il loro incontrarsi in determinati punti del brano in modo da creare cicli ritmici, simili a quelli della musica africana. Elvin Jones è considerato, per la sua concezione poliritmica, uno dei massimi batteristi del jazz.
Il disco successivo è Coltrane’s Sound (1960) in cui è eseguita una memorabile versione di "Body and Soul", arrangiata utilizzando un movimento cromatico ascendente e discendente della tonica dell'accordo minore attraverso la settima prima maggiore e poi minore. Altrettanto interessante è l'accompagnamento alternato tra accordi per quarte e accordi con la quinta aumentata a distanza di tono, che creano un'interessante tensione risolta poi sugli accordi dell'inciso. Questi momenti di tensione e distensione sono stati il tappeto ideale per Coltrane, che amava spesso suonare anche brani tonali in maniera modale con lunghi pedali di tonica o dominante sfocianti in un inciso ricco di aree tonali. Di questo contrasto si avvalse chiaramente lo stesso McCoy Tyner (ad esempio, in "The night has a thousand eyes") dove le prime otto battute vengono suonate su un pedale di dominante ed il resto degli accordi seguono le più classiche progressioni II–V- I.
Altro disco della stessa formazione è Coltrane plays the blues (1960). In questo album sono dedicati un blues a Sidney Bechet ed uno allo stesso Elvin Jones. In due brani, "Mr. Day" e "Mr. Sims", McCoy Tyner non suona. L’omissione del pianoforte della ritmica abituale consente a Coltrane di creare una nuova dimensione di spazio, di libertà armonica e melodica. Nel maggio del 1961 Coltrane incide Olé Coltrane, disco in cui si nota l’accostamento alla musica modale spagnola. In questa occasione, alla formazione di base, si aggiunsero Eric Dolphy al flauto e al sax contralto, e Freddie Hubbard alla tromba.

Impulse! [modifica]

Sempre nel 1961, Coltrane cessa la sua collaborazione con l’etichetta Atlantic e inizia a incidere per la casa discografica Impulse!. Il primo disco della nuova casa discografica fu Africa Brass. Qui i brani sono tutti modali e la formazione è la stessa di Olè Coltrane, soltanto con l’aggiunta dell’orchestra. Un altro disco inciso per la Impulse! è Live at Village Vanguard del novembre 1961. Anche qui l'atmosfera dei brani è modale, soprattutto in "Spiritual", dove ad Elvin Jones, Reggy Wolkman e McCoy Tyner, Coltrane affianca Eric Dolphy al clarinetto basso. Il disco comprende alcune registrazioni realizzate dal vivo nel mitico Village Vanguard. Dall’ascolto di queste si nota che i temi e gli arrangiamenti sono ridotti all’essenziale, e l'improvvisazione risulta dilatata al punto da durare anche quindici minuti. I brani del disco sono costruiti sulla forma blues, oppure su uno o due accordi. Infatti, queste registrazioni rispecchiano pienamente la concezione modale di Coltrane in quegli anni. Dall'ascolto si può capire anche la differenza tra la musica dal vivo e quella realizzata, da Coltrane, negli studi di registrazione. Nelle performance in pubblico gli assoli vengono eseguiti con totale abbandono, senza limiti di durata e, nonostante questo, non risultano di difficile ascolto. Si crea un flusso di energia musicale che non si riscontra nelle sedute in studio. In molti brani, registrati dal vivo, si nota sia l'assenza del pianoforte che quella del contrabbasso, lasciando Coltrane in lunghi dialoghi con il batterista Elvin Jones. L'album successivo fu Impressions dell'aprile 1963, registrato, anch’esso, al Village Vanguard nei due anni precedenti. Risale, infatti, al novembre del 1961 "India", che rappresenta una delle più importanti incisioni di Coltrane.
Il brano è costruito interamente su un pedale di sol. McCoy Tyner non interviene quasi per nulla, dando spazio ai virtuosismi orientaleggianti e ai sovracuti del sax soprano di Coltrane. L'avvenimento più rilevante, in questo disco, è l'ingresso, nel quartetto, del bassista Jimmy Garrison, che prende definitivamente il posto di Reggie Workman. Anche nel brano "Impressions", a un certo punto, sia McCoy Tyner che Jimmy Garrison abbandonano lo strumento lasciando dialogare Coltrane con Elvin Jones.

A Love Supreme [modifica]

Si racconta che nel 1964 Coltrane, che era solito praticare ogni sera la meditazione yoga, durante una seduta sentì una musica nuova risuonare nella sua mente. Tornato allo stato vigile, si convinse che non poteva che trattarsi di un messaggio inviatogli da Dio. Coltrane meditò a lungo una nuova opera, di cui volle curare anche la produzione. Fu lui a scegliere la foto che lo ritrae, con espressione seria, sulla copertina. È una foto in bianco e nero, cosi come in austero bianco e nero è pubblicato tutto l'album. Fu ancora Coltrane a far stampare, all'interno, non le solite note di copertina, bensì una sua breve presentazione e una sua poesia, intitolata anch’essa A Love Supreme.
Nella presentazione Coltrane ringrazia Dio di averlo riportato sulla retta via. Afferma di aver passato un periodo di incertezza, e di averlo superato rimettendosi nelle Sue mani. Il disco è dunque un’umile offerta a Lui, in segno di ringraziamento. La poesia è un testo semplice, dogmatico e salmodiante, una dichiarazione di fede che, a tratti, riecheggia le asserzioni e le risposte che intercorrono tra predicatore e congregazione. L'opera è una suite in quattro parti. Esse si intitolano: "Acknowledgement", "Resolution", "Pursuance" e "Psalm".
A differenza degli altri dischi, contenenti brani ricavati da varie sedute di incisione, questo album si risolve in un'opera a tutto tondo che, impiegando l’intera durata del long playing, dà luogo a uno dei primi concept album della musica moderna.
Il primo movimento si basa sulla continua ripetizione della cellula elementare di quattro note Fa - La bemolle – Fa - Si bemolle. Il carattere semplice e ripetitivo di "Acknowledgement" gli ha assicurato una vasta fama postuma nel mondo del rock, dove la leggenda di Coltrane si è diffusa, con ovvia accentuazione dei toni mistici, trovando proprio in quel riff di quattro note un comodo appiglio acustico. Mentre gli schemi di base dei quattro movimenti sono semplici, il contenuto delle improvvisazioni non lo è. Dal suo lungo silenzio Coltrane esce con una sonorità strana, nuova: più gonfia, vibrante ed enfatica. Di contro, il fraseggio è scarno, asciutto. Vi compaiono, specie nei primi due tempi, alcuni motivi di tre-quattro note, che l’autore trasporta, a suo piacimento, su e giù, verso l'acuto e verso il grave, creando inattesi urti con l'accompagnamento, che resta ancorato alla scala di base. È una tecnica nuova, che utilizza tutte le tonalità descrivendo la "totalità" e la grandezza di Dio, e che avrà importanti conseguenze. A Love Supreme è il capolavoro del periodo iniziato con My Favorite Things.
Servendosi del suo quartetto egli percorre un itinerario mistico, dalla contrizione di "Acknowledgement", allo slancio lirico raffigurante la dolorosa decisione di cambiare ("Resolution"), alla forte, travolgente messa in pratica della decisione presa ("Pursuance") fino alla preghiera di ringraziamento, quel metafisico "Psalm" in cui, alla fine, la voce del sax tenore si sdoppia per inatteso effetto di una sovraincisione, e sembra ascendere in cielo attraversando le suggestive nubi sonore prodotte dalle mazze felpate di Elvin Jones.
L'album fu acclamato in modo quasi unanime, e divenne ben presto il disco jazz più venduto nel mondo. In esso fu vista la summa di tutte le ricerche e gli approfondimenti compiuti da Coltrane negli ultimi anni. Ciò che anche i più entusiasti sostenitori notarono, è che con A Love Supreme si chiudeva un altro capitolo della vita artistica di Coltrane.

Il periodo "free" - Ascension [modifica]

Già dal 1960, Ornette Coleman aveva gettato scompiglio con il suo free jazz, un jazz in apparenza libero da ogni regola, spesso atonale, e comunque indigeribile non solo per il grande pubblico, ma anche per molti jazzofili. Coleman fece scandalo, ma la sua rimase una presenza quasi isolata. Anche Eric Dolphy faceva a volte del free jazz e lo stesso Coltrane, in certi momenti, ci era andato vicino. In seguito il free jazz esplose come movimento robusto e vitale e Coltrane si schierò con convinto entusiasmo dalla parte di questi innovatori.
Coltrane, nonostante le aspre critiche verso questa forma estrema di jazz, buttò sulla bilancia tutto il suo prestigio, affermando l'alto valore di quella musica, apparendo insieme ai suoi praticanti ed incidendo con loro. Per due anni, essa fu documentata in buona parte da una grande etichetta come la Impulse!, che su consiglio di Coltrane scritturò sia Archie Shepp sia Albert Ayler.
Il 28 giugno 1965 fu una data storica. Quel giorno Trane radunò in studio, oltre a Tyner, Garrison e Jones, due trombettisti (Freddie Hubbard e Dewey Johnson), due sassofonisti tenore (Pharoah Sanders e Archie Shepp), due contraltisti (John Tchicai e Marion Brown) e un secondo bassista (Art Davis).
Ascension verrà incisa in due versioni. Per la pubblicazione ne fu scelta una, comunemente definita "Edition I", ma anche alcune copie dell'altra andranno in circolazione, diventando rarità da collezionisti e consentendo illuminanti confronti. Il piano strutturale del lavoro è semplice: vi è un assolo per ciascuno dei fiati, uno per Tyner e uno per i due bassisti. Tra gli assolo sono interpolati squarci di improvvisazione collettiva di tutti gli undici musicisti. Questa germina all'inizio da un motivo di tre note, e ben presto si anima, si scalda, specie sotto l'impulso di Coltrane, di Shepp e di Sanders, un tenorista dai suoni violentissimi ed estremi. In breve la musica ribolle di melodie, di scale, di grida, di lamenti, di fischi: una allucinante visione infernale, di fuoco e fiamme, che costituisce in certo senso l'antimondo di A Love Supreme. Durante l'incisione, perfino i presenti in studio non poterono trattenersi dall'urlare. Lo stesso assolo iniziale di Coltrane non può essere definito altro che un lungo, straziante urlo modulato. I vari solisti apportano naturalmente il contributo dei loro diversissimi stili. L'assolo di John Tchicai, al sax alto, è freddo, tenue e pigolante; quello di Shepp torvo e minaccioso, costruito con uno studiato crescendo da attore; quello di Tyner è martellante e oceanico; quello di Sanders sembra voler far esplodere il sassofono in mille schegge roventi.
Con "Ascension", il free jazz ebbe nuovamente una sua opera manifesto: un'opera che spaventò i più, ma che rivelò comunque una forza tale da esercitare una straordinaria fascinazione anche su molti ascoltatori restii o dubbiosi, e un poderoso effetto trascinante su tutto il movimento free.

Meditations [modifica]

A luglio dello stesso anno (1965), Coltrane effettuò l'ennesima apparizione europea. Suonò in quartetto, ma ormai la sua musica aveva raggiunto l'incandescenza con qualunque organico. Il pubblico del festival di Juan-les-Pins lo ascoltò con stupore suonare una musica ormai molto lontana da quella che aveva conquistato il mondo solo tre o quattro anni prima. Ma Trane non smise di andare avanti, e tornato negli Usa riprese un ritmo produttivo forsennato. Il 26 agosto incise l'album Sun Ship, sorta di cartone preparatorio per un'opera più compiuta, Meditations. Questa fu da lui incisa per la prima volta il 2 settembre, in quartetto; ma il risultato non lo soddisfece, e rimase a lungo inedito. In queste opere Coltrane sperimenta nuove tecniche di organizzazione della sua musica. Nella prima versione di Meditations, egli esegue il brano "Love" più o meno come un improvvisatore indiano effettua la cosiddetta "presentazione" di un raga. Gli accompagnatori suonano una scala e Coltrane ripete un frammento melodico percorrendo questa scala in su e in giù. Il risultato è suggestivo ma monocorde, e Coltrane accantonò l'idea per riprenderla più avanti. In altri brani, come "Sun Ship", "Joy" o "Consequences", Coltrane parte da una scheggia tematica di una o due note, e aggiunge via via una nota alla volta, conquistando man mano lo spazio sonoro intorno a sé.
Tra l’1 e il 14 di ottobre Coltrane, con il gruppo allargato a Pharoa Sanders e ad altri ospiti, incise tre opere di grande rilievo: Om, Kulu Sé MaMa e "Selflessness".
Om è un'opera cardinale, in quanto Coltrane vi osa un gesto di portata storica incalcolabile: egli abbandona la sua fedeltà alla tavolozza timbrica tradizionale del jazz, immettendo nella sua musica ampi squarci di suoni non jazz. Coltrane (affiancato da Sanders, Tyner, Garrison, Garrett, Elvin Jones ed il flautista Joe Brazil) ci offre un caleidoscopico brano free-form dalla durata di soli 28 minuti , un' esperienza sonora mistica, fortemente evocativa, assai più difficile da digerire rispetto al più conosciuto "Interstellar Space". È evidente come Coltrane si accosti con questo lavoro sempre più ai suoni della musica etnica africana ed orientale, abbracciando così una visione musicale volutamente etnico-ascetica e multidimensionale. La jam si snocciola insistente su cacofonie, echi e dissonanze furiose e la leggenda narra insistentemente che Coltrane avesse fatto uso di LSD durante le sedute di registrazione. Già l'inizio trasporta subito l'ascoltatore in un'Africa immaginaria: si ascoltano percussioni varie, e sopra di esse una mbira, il piccolo strumento africano a lamelle pizzicate con i pollici. Segue una salmodia recitata dai musicisti, che si conclude sulla parola om, la quale da vita a un free collettivo. Nel disco è presente anche un flauto (Joe Brazil), che però emette suoni arcani e arcaici, non-europei. Qui Coltrane non si esibisce più in smoking con il suo elegante quartetto, che suona canzoni di Richard Rodgers, con scale modali, accordi, ritmi precisi, ma getta in faccia all'ascoltatore brandelli di materia sonora viva, cruda. L'atmosfera è religiosa, sciamanistica, frenetica, misterica, quasi da messa nera. Il disco, oggi, appare nel suo complesso come uno dei lasciti di jazz psychedelico più significativi ed interessanti di sempre, al pari solo di "Bitches Brew" di Miles Davis (ed è ancora ingiustamente sottovalutato e poco considerato all'interno di tutta la vasta discografia coltraniana). 'OM' si potrebbbe anche accostare al mitico lp dei Red Crayola "The Parable Of Arable Land" (registrato sempre in quell'anno), caposaldo di free-form music ancorato però ad una realtà e visione culturale che è quella del freak-rock americano. In Kulu Sé MaMa irrompe in scena un poeta, cantore e suonatore di tamburo, Juno Lewis, intorno alla cui poesia, cantata nel dialetto afro-creolo detto Entobes, si muove il resto del gruppo, facendogli sontuosa corona. "Selflessness" è, al confronto, un'opera tradizionale: gli esecutori sono gli stessi di Kulu Sé MaMa, ma il centro e la virtù delle cose sono i due sassofoni e il clarinetto basso, impegnati in un continuo dialogo spalla a spalla, dapprima fluido e ruscellante, poi sempre più rabbioso. L'annata si chiude, il 23 novembre, con la registrazione del nuovo, e stavolta definitivo, Meditations. La differenza sta nel fatto che oltre a Sanders, Coltrane ha aggiunto un secondo batterista, Rashied Ali, che suona in modo totalmente libero: sommato ad Elvin Jones, ne viene fuori un uragano percussivo. L'idea strutturale di base del vecchio Meditations viene mantenuta, ma con una cruciale differenza: vi è sempre una scala di base, e Coltrane che suona un frammento melodico di questa scala, trasportandolo su e giù.
Ma stavolta non lo trasporta sulle note della scala, bensì suonando altre scale. Questo procedimento, che in nuce avevamo scorto in A Love Supreme, deflagra qui in tutta la sua carica dirompente: quella musica che era monocorde e prevedibile ora sprizza urti dissonanti tra le diverse scale. I musicisti si muovono in uno spazio in cui tutte le note sono più o meno costantemente presenti, e in cui tutto si può suonare. Coltrane inoltre ha eliminato uno dei cinque brani, "Joy", e l'ha sostituito — cambiando un po' la successione — con il nuovo brano "The Father And The Son And The Holy Ghost", collocato in apertura. L'ignaro ascoltatore che metteva la puntina all'inizio del disco fa un salto: le due batterie scatenano il pandemonio, e Sanders emette di continuo uno stridente suono multiplo. È un paesaggio sonoro inaudito, mai immaginato da mente umana. Su di esso Coltrane espone la cellula tematica che poi trasporterà su e giù. Segue senza interruzione "Compassion", un'oasi dai contorni più rilassanti e familiari, in cui McCoy Tyner dà vita a uno dei suoi grandiosi assolo.
Il lato B reca, pure di seguito, "Love", "Consequences" e "Serenity": due brani recitativi che ne incorniciano uno esplosivo, pieno di schegge sonore, in cui è alla ribalta Sanders. Nell'insieme, l'impianto strutturale comune a tutti i brani dona all'intero Lp una ferrea coerenza interna, rendendo accettabili, e anzi del tutto logici, i suoi continui capovolgimenti dalla violenza alla dolcezza e viceversa. Da un materiale noioso e inerte, Coltrane ha ricavato un nuovo, visionario capolavoro. La sua sintassi rivoluzionaria segna tuttavia il punto di rottura per McCoy Tyner, che non riesce a seguire l'evoluzione di Trane. Elvin Jones farà altrettanto tre mesi dopo, dichiarando: «Possono capirlo solo i poeti».
Ora con lui erano Sanders, Alice McLeod al piano, Jimmy Garrison e Rashied Ali. La sua musica era ormai stabilmente priva di pulsazione ritmica, fluttuante nell'aria: e gli ascoltatori erano perplessi circa la pianista, che certo non valeva Tyner. Ma Alice faceva senza problemi ciò che Coltrane voleva: e Coltrane voleva sentire di continuo un sottofondo come di arpa. Non soltanto i critici ma anche gli ascoltatori erano dubbiosi. Per Coltrane, il rapporto con il pubblico era vitale, non lo si poteva troncare impunemente. Egli sentiva di correre questo rischio, e ne era angosciato.
Un'altra volta confessò che essere acusticamente abituato alla propria musica era per lui un problema. Avrebbe voluto percepirla come un profano che la sentisse per la prima volta. Lacerato tra il richiamo dell'ignoto e il richiamo della tradizione, in maggio (1966) Coltrane incise un nuovo disco dal vivo al Village Vanguard (Live At The Village Vanguard Again!), come nel 1961. I due lunghi pezzi pubblicati furono due improvvisazioni realizzate dal gruppo nel suo stile attuale; ma i temi erano "Naima" e "My Favorite Things". Nel corso dell'anno Coltrane poté finalmente regolarizzare il suo stato civile. Lo Stato di New York aveva approvato una legge in base alla quale era possibile chiedere il divorzio non più solo per adulterio ma anche per altre cause, come la separazione di fatto. Coltrane ottenne quindi il divorzio da Naima, e sposò Alice McLeod. Coltrane diradò le sue esibizioni, restando spesso a casa a meditare sui suoi argomenti prediletti — la morte, la teoria della relatività e l'universo in espansione, la numerologia — e a elaborare le sue teorie sui rapporti tra suono e numero. Egli appariva ossessionato dal bisogno di raggiungere una verità ultima, sostanziale, assoluta: il nocciolo della verità, la crux, come amava dire. Nel mezzo di questo strano periodo di attività più che altro mentale, giunse la proposta di una tournée in Giappone. Era un paese che Coltrane era ben felice di visitare, visto il suo interesse per l'Oriente, e dove era molto amato. In realtà ci fu ben poco da visitare: il carnet di viaggio era micidiale. Dall'8 al 24 luglio più di un concerto al giorno. L'accoglienza fu principesca. I giapponesi lo aspettarono all'aeroporto con cartelli inneggiami. Ovunque vi erano manifesti suoi, tappeti rossi, limousine, scolarette con mazzi di fiori. Coltrane li ripagò con concerti lunghissimi, in cui come sempre si spremette fino in fondo; in repertorio pochi brani, tra cui una splendida composizione nuova, un'invocazione struggente, "Peace On Earth".

La fine [modifica]

Oltre ai concerti vi erano poi continue conferenze stampa. Le foto che furono scattate in quei giorni lo ritraggono molto ingrassato, e, in circa metà di esse, con una mano sul fegato. A pochi confessò la sua sofferenza. Aveva mal di testa continui, e sempre più forti. Tornato dal Giappone, ingoiava aspirina in dosi inquietanti. George Wein gli propose una tournée in Europa. Rifiutò: non sto bene, disse, non me la sento. Wein gli offrì di rinviare la data a suo piacimento. Ma Coltrane non voleva partire affatto. In realtà, diversi fattori stavano ormai congiurando contro la sua salute. Gli anni dell'eroina avevano provocato guasti terribili. Coltrane avrebbe dovuto curarsi con regolarità ma aveva un irrazionale terrore dei medici; non faceva neppure controlli. La sua paura per i medici era di fatto sfiducia nella scienza. La frequentazione delle filosofie orientali doveva averlo indotto in uno stato di passiva accettazione del destino, ivi inclusa la morte. Da tempo si era convinto di dover morire presto, e della morte parlava spesso, con chiunque. Egli affrontò quindi il destino senza opporvisi, senza curarsi. Da un altro lato, la certezza della morte imminente lo indusse ad andare avanti nella sua ricerca artistica senza più remore. Come in una folle corsa verso la fine di tutto. A Ravi Shankar, per telefono, Coltrane apparve triste e frustrato: cercava qualcosa di nuovo, ma non sapeva cosa. Il 26 dicembre 1966 diede un concerto al Village Theater di New York con Algie DeWitt, suonatore di baia (un tamburo a clessidra usato nei culti vooudoo), Ornar Ali alla conga, il trombettista John Salgalo e il bassista Sonny Johnson, più il suo quintetto. Questo ensemble stranamente assortito non ha lasciato dischi; ma testimoni hanno raccontato che la musica era di un'intensità selvaggia e soverchiante.
Nel 1967, tra febbraio e marzo, registrò il materiale confluito poi negli album Expression e Interstellar Space. Il primo disco è in quartetto, e fu l'ultimo alla cui uscita egli attese personalmente; fu pubblicato poco dopo la sua morte. Esso contiene una musica ancora nuova e diversa, di sublime bellezza, in cui tutte le ricerche, le inquietudini, i conflitti, le violenze che segnano l'intera sua opera sembrano conciliarsi sotto il segno di una ritrovata serenità. L'iniziale, brevissimo "Ogunde Varere" è un commosso addio alla vita: sopra i fluttuanti arpeggi del pianoforte, Coltrane intona una lirica melodia, che suona del tutto originale, diversa da qualsiasi altra melodia antica o moderna, e al tempo stesso profondamente familiare. Essa infatti nasconde una struttura di blues. "Offering" ed "Expression" sono pagine analoghe, più ampie, che attraversano tratti convulsi, ma che alla fine planano di nuovo nella stessa atmosfera di pace ultraterrena. A parte va considerato il brano più lungo dell'album, "To Be". In esso Coltrane suona il flauto che era appartenuto a Eric Dolphy, e Sanders lo affianca all'ottavino. A quattro pianeti — Marte, Venere, Giove, Saturno — sono per l'appunto intitolati i quattro brani dell'altro album, Interstellar Space, uscito nei primi anni Settanta. Dal punto di vista strutturale, la musica è simile a quella di Expression: in ambedue si ritrovano tra l'altro le procedure già descritte per Meditations, in particolare il trasporto di brevi motivi su scale diverse. Il carattere è però tutt'altro: Coltrane, al sax tenore, dialoga con Rashied Ali, e la presenza dell'incendiario batterista si trasforma in occasione di estenuante sfida. Lascia allibiti lo stoicismo di Coltrane, che si sottopose a simili sforzi nelle condizioni in cui era. Il linguaggio rotolante, inarrestabile come una lingua di colata lavica, che si ascolta nei concitati assolo degli album precedenti qui appare denudato, messo allo scoperto, e mostra una così rigorosa logica architettonica da reggere l'ascolto da solo. In quei vertiginosi giochi di scale su scale, che innervosirono gli ascoltatori già nei concerti del 1960, sono in realtà applicate ferree regole di combinazione,permutazione, trasporto di centro tonale e di modo. Chi riesca ad afferrarne i motivi e gli sviluppi trova in questa musica una ricchezza esaltante, inesauribile, unita a squarci di purissima poesia, come nel delicato "Venus" o nel tracotante "Jupiter". L'ultima seduta di incisione si tenne il 17 marzo. Si registrò un solo brano, "Expression", probabilmente perché Alice era in gravidanza avanzata. Due giorni dopo nasceva il terzo figlio della coppia, Oran.
Il 23 aprile Coltrane apparve con il quintetto al Centro di Cultura Africana fondato da Olatunji a Harlem. La struttura era appena nata, su progetto di Olatunji e altri, incluso Coltrane, che la sostenne finanziariamente con generosità. Suonò, dicono, bene come sempre, e a lungo come sempre. Un solo particolare tradisce le sue reali condizioni: suona seduto. Ciò nonostante, in quello stesso aprile Trane rinnovò il contratto con la Impulse! per due anni. A maggio, andò a visitare sua madre a Philadelphia, insieme ad Alice, quando ebbe un'improvvisa fitta allo stomaco. Piegato in due, si chiuse in camera sua, rifiutando ogni cura. Ne usci poco dopo: non riconosceva più sua madre e sua moglie. Tornarono a casa subito. Alice gli fissò una visita. Ci andò, stavolta. Lo ricoverarono per una biopsia, ma rifiutò di protrarre la degenza e telefonò ad Alice e si fece portar via.
La domenica fu di nuovo ricoverato d'urgenza all'ospedale Huntington. Morì alle quattro del mattino di lunedì 17 luglio 1967, stroncato da un tumore al fegato.

Lo stile [modifica]

Approccio tecnico al sax tenore [modifica]

I primi tratti caratteristici dello stile di Coltrane furono fissati al tempo in cui suonava al Five Spot Café . In quel periodo egli mise a punto la tecnica detta "Sheets of sound". I suoi soli si componevano di frasi lunghe e veloci, suonate in sedicesimi (semicrome) o in trentaduesimi (biscrome), in modo da fondere fra loro le note, in un continuo glissando. Questo modo di suonare era del tutto nuovo. A differenza di Charlie Parker, Coltrane usava le frasi di sedicesimi per conferire al brano più fluidità e, come si vedrà, un particolare senso ritmico.
Nello stesso periodo Coltrane venne spinto da Thelonious Monk a esplorare nuove sonorità. In particolare egli cercava il modo di ottenere, dal sax tenore, due o tre suoni contemporanei. Un chiaro esempio di questa tecnica si può trovare nel brano "Harmonique". Questa tecnica incuriosì anche il celebre Sonny Rollins.
Suonando con Monk, Coltrane apprese il modo di esplorare tutte le possibilità improvvisative del brano, impegnandosi così in lunghi soli, durante i quali usava particolari suoni, rumori, fischi, grugniti. È importante sottolineare come tutto ciò fosse già presente nel sound del rhythm and blues.

Coltrane, tuttavia, si servì di queste tecniche, non in senso meramente virtuosistico, ma per chiare finalità musicali. Egli inoltre allargò le risorse tecniche del sax tenore, mediante le estensioni, l’utilizzo dei registri estremi, timbriche particolari, diteggiature alternative utilizzate per il loro effetto sonoro, armonici, differenti modi di alterare il suono con l’intensità del fiato. Coltrane fu il primo ad esplorare i suoni del sax soprano. Egli ottenne da questo strumento un sound sinuoso e serpentino. La grana del suono del sax soprano può definirsi scarna e funzionale al senso religioso della musica di Coltrane. La musica creata con questo strumento è fatta di melodie sinuose ed eteree, di carattere mistico. Basti ascoltare la celebre esecuzione di "My favorite things", contenuta nell’album omonimo.

Lo stile armonico e ritmico [modifica]

L’approccio tecnico armonico della stile coltraniano è vario e complesso. Il suo modo di suonare andò perfezionandosi durante il periodo in cui egli approfondiva il bebop. Alla fine di questo apprendistato la musica di Coltrane aveva un alto grado di complessità.
Durante il periodo tonale, corrispondente al periodo dello hard bop, Coltrane giunse a padroneggiare qualsiasi tipo di situazione armonica, fino ad introdurre proprie soluzioni. Tipico esempio di quanto detto sono i Coltrane changes. La riarmonizzazione istantanea dei brani era una caratteristica degli hard-boppers, ma la complessità dell’approccio di Coltrane va oltre questo discorso. Innanzitutto egli approfondì l’uso delle scale, utilizzando, in aggiunta alle scale tipiche del bebop, scale indiane, orientali, pentatoniche, etc. Ciò contribuì non solo ad allargare il sound ma a fornire al solista maggiori possibilità di esplorazione armonica. Questo approccio imponeva inoltre il superamento dei vecchi cliché del bebop. Inoltre Coltrane contribuì anche al rinnovamento ritmico dell’improvvisazione.
Durante il periodo modale, che va dal 1961 al 1965, anno in cui fu pubblicato A Love Supreme, Coltrane improvvisa utilizzando i modi delle scale di riferimento piuttosto che gli accordi. Egli si impegna anche in una rilettura del blues in senso modale o orizzontale. La Atlantics pubblicò nel 1962 l’album Coltrane Plays the Blues. Nel 1963 uscì l’album Ballads dove, nonostante il senso tonale della composizioni, il fatto che gli accordi si succedano in tempo lento consente un approccio modale dell’esecuzione.
In questo stesso periodo Coltrane modifica anche l’utilizzo delle scale preferendo le esatonali e le pentatoniche. Infine si sente l’utilizzo delle costruzioni per quarte, che sarà poi sviluppato durante il successivo periodo sperimentale, basti pensare al brano "Aknowledgment" di A Love Supreme.
Il modo di suonare di John Coltrane viene spesso definito imprevedibile. Questa caratteristica è invero il risultato dell’introduzione, nel fraseggio melodico, di figure musicali asimmetriche come le settimine, le nonine, le tredicimine e via dicendo. Inoltre, nel fraseggio, Coltrane intercalava anche le pause. In particolare, egli scoprì che poteva dividere le battute anche in numeri dispari di note. Di norma, un jazzista divide una battuta di 4/4 in otto note (crome). Coltrane, sistematizzando una pratica già saggiata da Charlie Parker e Dizzy Gillespie, prese l'abitudine di dividere la battuta in sedici note (semicrome), eseguendo così fiotti continui e mobilissimi, dall'acuto al grave all' acuto, di note molto brevi. Poi iniziò a dividere la battuta non nei soliti multipli di due, ma in multipli di tre (terzine), e poi di cinque (quintine), e di sette.
Eseguendo questi gruppi irrazionali, il fraseggio non suonava più come se fosse inchiodato al tempo di base, ma fluttuava al di sopra di esso, in modo apparentemente libero. Coltrane si rese anche conto che gruppi irregolari di cinque non hanno lo stesso effetto di gruppi di sette e che tutti questi gruppi irrazionali di note potevano essere mescolati. Ne risultava una esecuzione spigolosa, spezzata e quindi assolutamente innovativa. I tempi preferiti da Coltrane sono stati il 4/4, il 3/4 , il 6/8. Tuttavia il suo approccio ritmico subì l’influenza del drumming di Elvin Jones, caratterizzato dall’uso delle poliritmie.

Dopo Coltrane [modifica]

Ebbe grande influenza sia sul sax tenore che sul sax soprano per i sassofonisti dagli anni 1970, nonostante alcune critiche negative. Lo stile di Coltrane nella sua prima fase, precedente al 1964, influenzò Wayne Shorter, Joe Henderson ed anche Steve Grossman e Davie Liebman, che avevano suonato nel gruppo di Elvin Jones. Per la sua fase free jazz suonò spesso insieme ad Archie Shepp e il suo erede dopo la sua scomparsa fu Pharoah Sanders. Sanders partecipò insieme a McCoy Tyner e Roy Haynes al disco "A Tributo to John Coltrane - Blues For Coltrane", prodotto da Impulse !.

Tra i sassofonisti che furono da lui influenzati ci sono ancora Jerry Bergonzi, Joe Lovano, Bob Berg, Joshua Redman, il figlio Ravi Coltrane, Michael Brecker e Branford Marsalis.

Sono stati influenzati dal suo stile anche il pianista McCoy Tyner e il batterista Elvin Jones, che avevano fatto parte del suo gruppo e ne avevano assimilato gli elementi musicali orientali e africani, e che nella loro carriera come solisti hanno ripreso spesso il suo repertorio.

Tra le composizioni di Coltrane, una delle più eseguite è "Giant Steps", che è stata interpretata da musicisti come Jaco Pastorius e Pat Metheny.

L’importanza di Trane è stigmatizzata dalle seguenti parole di Red Garland:

« Sì, ricordo la registrazione di Invitation, come, del resto, ricordo tutte le altre effettuate con Trane. Come non potrei? Neppure Miles Davis potrebbe dimenticare ogni istante in cui ha soffiato accanto a quel colosso. Stare accanto a Coltrane è stato più che un'esperienza impagabile. Lui iniziava a soffiare e ognuno di noi veniva immediatamente catturato nella sua rete. Non potevi più uscirne fuori. Ma, per il vero, nessuno di noi ha mai tentato di uscirne. Era ammaliato, stregato, plasmato, annientato dalla sua musica, dalle note che quel sassofono sfornava a getto continuo, senza tregua, senza remissione. Note incandescenti che avrebbero potuto anche ustionarti. E tutte con un preciso significato. Trane non ha mai fatto nulla in cui non credesse fortemente e che non sentisse intensamente. Era un sincero, un passionale. Si è distrutto suonando troppo. La creatività, che aveva dentro e non gli dava tregua, lo ha fatto morire. "Invitation"? Che dire. C’è tutto Trane in quel lunghissimo assolo. Tutta la sua arte, il suo cuore, la sua umanità. Dopo Parker è arrivato Trane. Poi, quando anche lui è scomparso, è rimasto il deserto. Arriverà un altro messia? All’orizzonte non appare nessuno. »

La voce di Coltrane [modifica]

	« Il jazz, se si vuole chiamarlo così, è un’espressione musicale; e questa musica è per me espressione degli ideali più alti. C’è dunque bisogno di fratellanza, e credo che con la fratellanza non ci sarebbe povertà. E con la fratellanza non ci sarebbe nemmeno la guerra. »
	(Riportato in Black Nationalism And The Revolution In Music, di Frank Kofsky, Pathfinder press, 1970)

	« Sul contralto ero stato totalmente influenzato da Bird e mi sentivo sempre inadeguato. Ma sul tenore non c’era nessuno le cui idee fossero così dominanti come quelle di Parker. Tuttavia ho preso qualcosa da tutti quelli che ho ascoltato in quell’epoca, a cominciare da Lester Young, ma tenendo conto anche di musicisti che non hanno mai registrato un disco. »
	(Riportato in John Coltrane – con il blues nell’anima di Alberto Rodriquez, in Musica Jazz, novembre 1981)

	« Quando suonavo con Dizzy non ero cosciente dei miei mezzi. Suonavo secondo dei cliché e cercavo di imparare i pezzi più famosi, così potevo suonare insieme ad altri musicisti. »
	(Da Trane On The Track di Ira Gitler. Intervista rilasciata il 16 ottobre 1958 e ripubblicata su Down Beat, luglio 1999))

	« Vedete, io ho vissuto per molto tempo nell’oscurità perché mi accontentavo di suonare quello che ci si aspettava da me, senza cercare di aggiungerci qualcosa di mio… Credo che sia stato con Miles Davis, nel 1955, che ho cominciato a rendermi conto che avrei potuto fare qualcosa di più. »
	(Da John Coltrane: C’est chez Miles Davis, en 1955, que j’ai commencè à prendre conscience de ce que je pouvais faire d’autre, di Francois Postif, gennaio 1962.)

« Il lavoro con Monk mi portò vicino a un architetto musicale di primissimo ordine. Ogni giorno imparavo da lui qualche cosa per mezzo dei sensi oltre che teoricamente e tecnicamente. Parlavo con Monk di problemi musicali e lui si metteva al piano e mi mostrava le risposte suonando. Io lo guardavo suonare e scoprivo ciò che volevo sapere. E così imparavo anche un sacco di cose per me del tutto nuove.. »

(Da Coltrane On Coltrane, di John Coltrane in collaborazione con Don Demicheal, in Down Beat, 29 settembre 1960.Riportato da Ira Gitler nelle note di copertina dell’album Thelonious Monk With John Coltrane)

	« Durante l’anno 1957 sperimentai, per grazia di dio, un risveglio spirituale che doveva condurmi ad una vita più ricca, più piena, più produttiva. A quel tempo, per gratitudine, chiesi umilmente che mi venissero concessi i mezzi ed il privilegio di rendere felici gli altri attraverso la musica. Sento che ciò mi è stato accordato per Sua grazia. Ogni lode a Dio. »
	(Dalle note di copertina scritte da John Coltrane per l’album A Love Supreme)

« Sono molto felice di poter dedicare tutto il mio tempo alla musica, e sono contento di essere uno di coloro che si sforzano maggiormente di crescere come musicista. Considerando la grande tradizione musicale che abbiamo alle spalle, il lavoro di tanti giganti del passato, del presente, e le promesse di tanti altri che stanno maturando, sento che ci sono tutti i motivi per guardare al futuro con ottimismo. »

(Da Coltrane On Coltrane, di John Coltrane collaborazione con Don Demicheal, in Down Beat, 29 settembre 1960)

	« Il mio compito di musicista è trasformare gli schemi tradizionali del jazz, rinnovarli e soprattutto migliorarli. In questo senso la musica può essere un mezzo capace di cambiare le idee della gente. »
	(Riportato in John Coltrane – Con il blues nell’anima di Alberto Rodriguez, in Musica Jazz, dicembre 1981)

	« L’unica rabbia che posso provare è verso di me, quando non riesco a suonare quello che voglio. »
	(Dalle note di copertina dell’album Coltrane’s Sound)

« Prima dell’arrivo di Dolphy nel gruppo mi sentivo a mio agio con un quartetto. Ma quando Eric si è unito a noi, è stato come se la nostra famiglia si fosse arricchita di un nuovo membro. Egli aveva trovato un altro modo di esprimere quelle cose per le quali fino a quel momento noi eravamo riusciti a trovare solo una maniera per esprimerle. Dopo che entrò a far parte della formazione, Dolphy ha ampliato le nostre possibilità e le nostre ambizioni: ha avuto su di noi un effetto estremamente positivo. »

(Dalle note di copertina dell’album Duke Ellington e John Coltrane)

	« Sono molto onorato di avere avuto l’opportunità di suonare con Duke Ellington. È stata un’esperienza meravigliosa. Lui aveva posto dei limiti che all’inizio io non avevo colto. Mi sarebbe piaciuto lavorare su altri pezzi, ma poi sono arrivato alla conclusione che difficilmente avremmo potuto suonare con la stessa spontaneità con cui avevamo suonato sino a quel momento. »
	(Dalle note di copertina dell’album Duke Ellington e John Coltrane)

« Ciò che mi attrae di Ravi Shankar è l’ aspetto modale della sua musica. Per un certo periodo, all’epoca di Giant Steps, la mia preoccupazione maggiore erano gli accordi, mentre ora è cominciato per me il periodo modale. Se ne suona molta musica modale nel mondo. In africa per esempio, essa ha un rilievo straordinario, ma verso qualunque altro paese si indirizzi lo sguardo -alla Spagna, alla Scozia, all’India o alla Cina- è sempre questo tipo di musica che si impone all’attenzione. Esiste dunque una base comune. Ed è questo aspetto universale della musica che li interessa e mi attira, fungendo da traguardo. »

(Riportato da Frank Tenot nel fascicolo n. 10 I giganti del jazz Curcio Editore)

« Sotto il profilo tecnico ci sono certe cose che mi piace inserire nei miei assoli. Per farlo devo avere a disposizione il materiale giusto. Funzionale allo swing, ad essere variato. Voglio riprendere vari tipi di musica e inserirli in un contesto jazzistico per suonarli con i miei strumenti. Mi piace la musica orientale e Yusef Lateef è uno che per qualche tempo l’ ha utilizzata facendola confluire nel suo modo di suonare. Ornette Coleman suona a volte con un concetto spagnoleggiante, come pure con altri concetti musicali dai profumi esotici. In questi approcci musicali ci sono delle cose alle quali posso attingere per adattarle al modo in cui a me piace suonare. »

(Da Coltrane On Coltrane, di John Coltrane in collaborazione con Don Demicheal, in Down Beat, 29 settembre 1960)

	« Non so esattamente ciò che sto cercando, qualcosa che non è stato ancora suonato. Non so che cosa è. So che lo sentirò nel momento in cui me ne impossesserò, ma anche allora continuerò a cercare. »
	(Riportato da Frank Kofsky nelle note di copertina scritte per l’album The John Coltrane Quartet Plays)

	« Stavo provando a fare qualcosa…. C’era qualcosa che volevo fare musicalmente e arrivai alla conclusione che potevo fare due cose: avere un gruppo che suonasse nel modo in cui eravamo soliti suonare, o un gruppo che seguisse la direzione che ora ha preso il mio gruppo. E io potrei unire questi due gruppi seguendo questi concetti. »
	(Riportato in Black Nationalism And The Revolution In Music, di Frank Kofsky, Pathfinder Press , 1970)

« Pharoah Sanders mi aiuta a rimanere in vita, a volte, perché il ritmo che sto sostenendo è fisicamente molto intenso. Sento che mi fa piacere avere questa forza nel gruppo e in qualsiasi altro luogo. Pharoah è molto forte nello spirito e nella volontà, mi capisce queste sono le cose che mi piace avere attorno a me. Nel vecchio gruppo Elvin aveva questa forza. Io devo sempre avere vicino a me qualcuno con questa forza. »

(Riportato in Black Nationalism And The Revolution In Music, di Frank Kofsky, Pathfinder Press, 1970)

(Riportato da Nat Hentoff nelle note di copertina scritte per l’album Meditation)

	« Voglio essere una forza del bene. In altre parole so che esistono forze del male, forze che arrecano sofferenza agli altri e miseria al mondo, ma io voglio essere una forza opposta. Io voglio essere la forza con la quale fare veramente del bene. »
	(Riportato da Nat Hentoff)

Discografia [modifica]

Registrazioni come leader [modifica]

1957
- Dakar - Original Jazz Classics OJC 393 CD, 1957
- Coltrane - Original Jazz Classics OJC 020 CD, 1957
- Lush Life - Original Jazz Classics OJC 131 CD, 1957-58
- Traneing In - Original Jazz Classics OJC 189 CD, 1957
- Blue Train - Blue Note CDP 46095 CD, 1957
- Cattin' With Coltrane And Quinichette - OJC 460 CD, 1957
- Wheelin' And Dealin' - Original Jazz Classics OJC 672 CD, 1957
- The Believer - Original Jazz Classic OJC 876 CD, 1957-58
- The Last Trane - Original Jazz Classics OJC 394 CD, 1957-58

1958
- Soultrane - Original Jazz Classics OJC 021 CD, 1958
- Settin' The Pace - Original Jazz Classics OJC 078 CD, 1958
- Black Pearls - Original Jazz Classics OJC 352 CD, 1958
- Standard Coltrane - Original Jazz Classics OJC 246 CD, 1958
- The Stardust Session - Prestige 24056 CD, 1958
- Bahia - Original Jazz Classics OJC 415 CD, 1958
- Coltrane Time - Blue Note 84461 CD, 1958
- Blue Trane:John Coltrane Plays The Blues - Prestige PRCD 11005 CD, 1957-58
- Like Sonny - Roulette 793901 CD, 1958-60

1959
- Giant Steps - Atlantic A2 1311 CD, 1959
- Coltrane Jazz - Atlantic 1354 CD, 1959

1960
- The Avant-Garde - Atlantic 90041 CD, 1960
- My Favorite Things - Atlantic 1361 CD, 1960
- Coltrane's Sound - Atlantic 1419 CD, 1960
- Coltrane Plays The Blues - Atlantic 1382 CD, 1960

1961
- Olé Coltrane - Atlantic 1373 CD, 1961
- The Best Of John Coltrane - Atlantic 1541 CD, 1951-1961
- The Heavyweight Champion - Rhino RHI 71984 CD, 1959-61
- Africa/Brass - Impulse! MCAD 42001 CD, 1961
- The Complete Africa/Brass - Impulse! IMPD 2-168 CD, 1961
- Live At The Village Vanguard - Impulse! MCAD 39136 CD, 1961
- Impressions - Impulse! MCAD 5887 CD, 1961-63
- The Complete Paris Concerts - Magnetic MRCD 8114 CD, 1961
- The Complete Copenhagen Concert - Magnetic MRCD 116 CD, 1961
- European Impressions - Bandstand BD 1514 CD, 1961
- Live In Stockholm,1961 - Charly CD 117 CD, 1961
- John Coltrane Quartet With Eric Dolphy - Black Label 8018 CD, 1961
- John Coltrane Meets Eric Dolphy - Moon MCD 069 CD, 1961

1962
- Coltrane - Impulse! IMPD 215 CD, 1962
- Coltrane - Impulse! MCAD 5883 CD, 1962
- From The Original Master Tapes - Impulse MCAD 5541 CD, 1961-62
- Live At Birdland - Charly CD 68 CD, 1962
- The European Tour - Pablo Live 2308222 CD, 1962
- The Complete Graz Concert vol 1 - Magnetic MRCD 8104 CD, 1962
- The Complete Graz Concert vol 2 - Magnetic MRCD 8105 CD, 1962
- The Complete Stockholm Concert vol 1 - Magnetic MRCD 8108 CD, 1962
- The Complete Stockholm Concert vol 2 - Magnetic MRCD 8109 CD, 1962
- Stockholm '62 The Complete Second Concert vol 1 - Magnetic MRCD 127 CD, 1962
- Stockholm '62 The Complete Second Concert vol 2 - Magnetic MRCD 128 CD, 1962
- Visit To Scandinavia - Jazz Door JD 1210 CD, 1962
- On Stage 1962 - Accord 556632 CD, 1962
- Promise - Moon MCD 058 CD, 1962
- Bye Bye Blackbird - Original Jazz Classics OJC 681 CD, 1962
- Ballads - Impulse! GRD 156 CD, 1962
- Ev'ry Time We Say Goodbye - Natasha NI-4003 CD, 1962
- Live At Birdland And The Half Note - Cool & Blue 101 CD, 1962-65

1963
- Coltrane Live At Birdland - Impulse! MCAD 33109 CD, 1963
- John Coltrane And Johnny Hartman - Impulse! GRD 157 CD, 1963
- The Gentle Side Of John Coltrane - Impulse! GRD 107 CD, 1962-64
- The Paris Concert - Original Jazz Classics OJC 781 CD, 1963
- '63 The Complete Copenhagen Concert vol 1 - Magnetic MRCD 137 CD, 1963
- '63 The Complete Copenhagen Concert vol 2 - Magnetic MRCD 138 CD, 1963
- Live in Stockholm,1963 - Charly CD 33 CD, 1963
- Afro Blue Impressions - Pablo Live 2620101 CD, 1963
- Newport '63 - Impulse! GRD 128 CD, 1961,63

1964
- Coast To Coast - Moon MCD 035 CD, 1964-65
- Crescent - Impulse! MCAD 5889 CD, 1964
- A Love Supreme - Impulse! GRD 155 CD, 1964
- Dear Old Stockholm - Impulse! GRD 120 CD, 1963-65

1965
- The John Coltrane Quartet Plays - Impulse! IMPD 214 CD, 1965
- The John Coltrane Quartet Plays - Impulse! MCAD 33110 CD, 1965
- The Major Works of John Coltrane - Impulse! GRD 21132 CD, 1965
- Transition - Impulse! GRD 124 CD, 1965
- New Thing At Newport - GRD 105 CD, 1965
- Live In Paris - Charly CD 80 CD, 1965
- Live In Antibes-1965 - French Radio Classic Concerts 119 CD, 1965
- Live In Antibes 1965 - LeJazz 10 CD, 1965
- Love In Paris - LeJazz 031 CD, 1965
- A Love Supreme:Live in Concert - Black Label 8022 CD, 1965
- Live In Paris - Black Label 8023 CD, 1965
- A Live Supreme - Moon MCD 042 CD, 1965
- New York City '65 Vol 1 - Magnetic MRCD 134 CD, 1965
- New York City '65 Vol 2 - Magnetic MRCD 135 CD, 1965
- Live In Seattle - Impulse! GRD 2-146 CD, 1965
- Om - Impulse! MCAD 39118 CD, 1965
- First Meditations - Impulse! GRD 118 CD, 1965
- Meditations - Impulse! MCAD 39139 CD, 1965
- Sun Ship - Impulse! IMPD 167 CD, 1965
- Ascension - Impulse!, 1965

1966
- Live At The Village Vanguard Again! - Impulse! IMPD 213 CD, 1966
- Live In Japan - Impulse! GRD 102 CD, 1966
- Interstellar Space - Impulse! GRD 110 CD, 1967
- Stellar Regions - Impulse! IMPD 169 CD, 1966

1967
- Expression - Impulse! GRD 131 CD, 1967
- A John Coltrane Restrospective - Impulse! GRP 31192 CD, 1961-67

Registrazioni in collaborazioni [modifica]

Con Kenny Burrell 1958
- Kenny Burrell & John Coltrane OJC20 300-2, 1958

Con Miles Davis 1955
- Miles - Original Jazz Classics OJC 006 CD, 1955

con Miles Davis 1956
- Cookin' - Original Jazz Classics OJC 128 CD, 1956
- Relaxin' - Original Jazz Classics OJC 190 CD, 1956
- Workin' - Original Jazz Classics OJC 296 CD, 1956
- Steamin' - Original Jazz Classics OJC 391 CD, 1956
- The Complete Prestige Recordings - Prestige PR 102 CD, 1951-56
- 'Round About Midnight - Columbia CK 40610 CD, 1955-56

con Miles Davis 1958
- Milestones - Columbia CK 40837 CD, 1958
- Miles And Coltrane - Columbia CK 44052 CD, 1958
- '58 Sessions - Columbia CK 47835 CD, 1958
- Compact Jazz/Miles Davis - Phillips PH 838254 CD, 1958
- Mostly Miles - Phontastic NCD 8813 CD, 1958
- Live In New York - Bandstand BD 1501 CD, 1957-59

con Miles Davis 1959
- Kind Of Blue - Columbia CK 40579 CD, 1959

con Miles Davis 1960
- On Green Dolphin Street - Jazz Door 1226 CD 1960
- Live In Zurich - Jazz Unlimited JUCD 2031 CD, 1960
- Miles Davis In Stockholm Complete - Dragon DRCD 228 CD, 1960

con Miles Davis 1961
- Some Day My Prince Will Come - Columbia CK 40947 CD, 1961
- Circle In The Round - Columbia CK 46862 CD, 1955-61

con Thelonious Monk 1957
- Thelonious Himself - Original Jazz Classics OJC 254 CD, 1957
- Thelonious Monk con John Coltrane - Original Jazz Classics OJC 039 CD, 1957
- Monk's Music - Original Jazz Classics OJC 084 CD, 1957

con Thelonious Monk 1958
- Live At The Five Spot Discovery! - Blue Note 799786 CD, 1958
- The Complete Riverside Recordings - CD
- The Complete Blue Note Recordings - CD, 1947-1958

Con Various Others:
- Con Dizzy Gillespie: Dee Gee Days - Savoy SV4426 CD, 1951-52
- Con Johnny Hodges: Used To Be Duke - Verve 849 394 CD, 1954
- Con Tadd Dameron: Mating Call - Original Jazz Classics 212 CD, 1956
- Con Paul Chambers: Chambers' Music - Blue Note BN 784437 CD, 1956
- con Elmo Hope: The All Star Sessions - Milestone M 47037 CD, 1956
- con Sonny Rollins: Tenor Madness - Original Jazz Classics OJC 124 CD, 1956
- con Prestige All Stars: Tenor Conclave - Original Jazz Classics OJC 127 CD, 1956
- con Prestige All Stars: Interplay For Two Trumpets And Two Tenors - Original Jazz Classics OJC 292 CD, 1957
- con Prestige All Stars:The Cats - Original Jazz Classics OJC 079 CD, 1957
- con Oscar Pettiford: Winners's Circle - Bethlehem BR 5030 CD, 1957
- con Art Blakey: Art Blakey's Big Band - Bethlehem BR 5011 CD, 1957
- con Sonny Clark: Sonny's Crib - Blue Note BN 46819 CD, 1957
- con Cecil Taylor: Hard Driving Jazz - Blue Note CDP 784461 CD, 1957
- con Johnny Griffin: A Blowing Session - Blue Note 81559 CD, 1957
- con Mal Waldron: Mal 2 - Original Jazz Classics OJC 671 CD, 1957
- con Red Garland: All Mornin' Long - Original Jazz Classics OJC 293 CD, 1957
- con Red Garland: Soul Junction - Original Jazz Classic OJC 481 CD, 1957
- con Red Garland: High Pressure - Original Jazz Classics OJC 349 CD, 1957
- con Red Garland: Dig It! - Original Jazz Classics OJC 392 CD, 1957,58
- con George Russell: New York N.Y. - Decca MCAD 31371 CD, 1958
- con Gene Ammons: The Big Sound - Original Jazz Classics OJC 651 CD, 1958
- con Gene Ammons: Groove Blues - Original Jazz Classics OJC 723 CD, 1958
- con Kenny Burrell: Kenny Burrell & John Coltrane - Original Jazz Classics OJC 300 CD, 1958
- con Wilbur Harden: Jazz Way Out - Savoy SV 0122 CD, 1958
- con Wilbur Harden: Tanganyika Strut - Savoy SV 0125 CD, 1958
- con Wilbur Harden: Dial Africa - Savoy SV 901458 CD, 1958
- con Wilbur Harden: Africa-The Savoy Sessions - Savoy SV 650129 CD, 1958
- con Cannonball Adderley: Cannonball & John Coltrane - EMARCY 834588 CD, 1959
- con Milt Jackson: Bags & Trane - Atlantic 1368 CD, 1959
- con Duke Ellington: Duke Ellington & John Coltrane - Impulse! IMPD 166 CD, 1962
- Compilations con Various Others: The Prestige Recordings - Prestige 4405 CD, 1956-58
- Compilations con Various Others: The Art Of John Coltrane - Blue Note 99175 CD, 1956-58
- Compilations con Various Others: John Coltrane And The Jazz Giants - Prestige 60104 CD, 1956-58
- Compilations con Various Others: John Coltrane:The Bethlehem Years - Bethlehem BET 5001 CD,
- Compilations con Various Others: The Last Giant - Rhino RHI 71255 CD, 1949-60

Bibliografia [modifica]

Su Coltrane leggi: Vittorio Giacopini, "Al posto della libertà. Breve storia di John Coltrane", edizioni e/0 2005
Cerca video su John Coltrane in YouTube

Altri progetti [modifica]

Wikimedia Commons contiene file multimediali su John Coltrane
Wikiquote contiene citazioni di o su John Coltrane

Collegamenti esterni [modifica]

(EN) Sito ufficiale
Test Cieco - intervista su Down Beat
Recensione di Giant Steps su Down Beat, nell'anno della pubblicazione.

John Coltrane su DMoz (Segnala su DMoz un collegamento pertinente all'argomento John Coltrane)

Wayne Shorter Biografia

2008-02-07T06:27:00.001-08:00

Wayne Shorter

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Wayne Shorter (Newark, New Jersey 25 agosto 1933) è un sassofonista tenore e soprano e compositore statunitense.

Biografia [modifica]

Wayne Shorter durante un concerto

Suo padre aveva l'abitudine di ascoltare la radio in casa dopo il rientro dal lavoro. In tale modo Shorter viene, inconsapevolmente, iniziato alla musica jazz: grazie alla trasmissione quotidiana di Martin Block scopre e ascolta Bud Powell, Thelonious Monk, Charlie Parker, Coleman Hawkins, Lester Young e altri musicisti bebop. Inizia a suonare il sassofono verso i 16 anni. Nel 1952 si iscrive alla New York University dove studia per quattro anni.

Dal 1956 al 1958 presta servizio sotto le armi. Durante il servizio militare suona talvolta con Horace Silver. Dopo il congedo entra nell'orchestra di Nat Phipps e poi, nell'estate del 1956, in quella di Maynard Ferguson. Qui incontra per la prima volta Joe Zawinul.

Nel 1959 entra a far parte dell’orchestra di Art Blakey, i Jazz Messengers, in sostituzione di Hank Mobley che aveva abbandonato il gruppo nel corso di una tournée internazionale. Nell’orchestra Shorter inizia presto a distinguersi per le sue capacità di arrangiatore e compositore arrivando a svolgere anche la funzione di direttore musicale.

Nel 1964 entra nel quintetto di Miles Davis dove rimarrà per circa sei anni. In questo periodo si avvicina al sassofono soprano e collaborando con Davis inizia ad interessarsi all'apertura del jazz verso altri generi musicali.

Nel 1971, assieme a Joe Zawinul ed al bassista cecoslovacco Miroslav Vitous, fonda i Weather Report.

Negli anni Ottanta inizia ad incidere e collaborare in campo internazionale con musicisti che non provengono dagli ambienti del jazz come Joni Mitchell, Pino Daniele, Carlos Santana e il gruppo Steely Dan.

Nel 1986 i Weather Report si sciolgono e Shorter, pur riducendo la frequenza dei sui concerti, intraprende la carriera di solista che continua ancora oggi.

É stato recentemente in tournée con Herbie Hancock, il contrabbassista Dave Holland e il batterista Brian Blade. Il gruppo di più recente costituzione (2002) comprende in maniera più o meno stabile Brian Blade, John Patitucci al contrabbasso e Danilo Perez al pianoforte.

Discografia principale come leader [modifica]

Speak no Evil (Blue Note Records, 1964)
JuJu (Blue Note, 1964)
Night Dreamer (Blue Note, 1964)
Adam's apple (Blue Note, 1965)
The soothsayer (Blue Note, 1965)
Super Nova (Blue Note, 1969)
Odyssey of Iska (Blue Note, 1970)
Native Dancer (Columbia Records, 1974)
Atlantis (Verve Records, 1985)
High life (Polygram Records, 1995)
1+1 (Verve, 1997) – in duetto con Herbie Hancock
High life (Verve, 1995)
Footprints Live! (Verve, 2002)
Alegria (Verve, 2003)

Collegamenti esterni [modifica]

Lettera di Wayne Shorter letta al funerale di Joe Zawinul

Sonny Rollins Biografia

2008-02-07T06:26:00.000-08:00

Sonny Rollins

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Sonny Rollins
Immagine:Sonny Rollins.jpg Perugia, Sonny Rollins durante uno dei suoi concerti a Umbria Jazz
Nazionalità	USA
Genere	Jazz
Periodo attività	circa 1945 -
Strumento	{{{Strumento}}}
Etichetta	{{{Etichetta}}}
Band attuale	{{{Band attuale}}}
Band	{{{Band precedenti}}}
Album pubblicati	'
Studio
Live
Raccolte
Sito ufficiale	Sonny Rollins
Si invita a seguire lo schema del Progetto Musica

Sonny Rollins - all'anagrafe Theodore Walter Rollins - (Harlem, 7 settembre 1930) è un sassofonista e compositore statunitense di musica jazz e uno dei più importanti caposcuola dello stile hard bop.

Indice

[nascondi]

Gli inizi [modifica]

« Sonny era una leggenda, quasi un Dio per i musicisti più giovani. Molti pensavano che suonasse al livello di Bird. Quello che posso dire io è che ci andava molto vicino. Era un musicista aggressivo e innovativo con sempre nuove idee. Mi piaceva tantissimo come suonatore ed era anche un grande compositore. (Ma penso che più tardi Coltrane lo abbia influenzato e gli abbia fatto cambiare stile. Se avesse continuato quello che stava facendo quando lo conobbi, forse sarebbe oggi un musicista anche più grande di quello che è - ed è un grande musicista) »

(Miles Davis ^[1])

Sonny ha i primi contatti con la musica a 11 anni, quando prende lezioni di pianoforte e di sassofono; dopo una breve esperienza con il sassofono contralto, passa permanentemente al sax tenore nel 1946, all'età di 16 anni. Entra negli Harlem Rollin' dove suonano anche Jackie McLean, Arthur Taylor, e Kenny Drew con i quali costituirà una band alle scuole superiori. I suoi genitori provenivano dalle isole Vergini ed egli amava molto la musica da ballo dei Caraibi: si avvicinò al sassofono nell'era della musica "jump" antecedente al rock and roll e, anche se la sua musica rivela quel passato, Rollins va molto al di là: una sua singola improvvisazione (ed alcune sono molto estese) può sembrare come un veloce cammino a ritroso attraverso la musica popolare dell'Ovest, costruita in modo così eccentrico da risultare quasi astratta.

Le sorelle ed i fratelli di Sonny erano tutti studenti di musica classica, ma uno zio sassofonista, appassionato di blues, conquistò con la sua musica il giovane che assorbì gli stili degli idoli del sassofono degli anni '40: da Coleman Hawkins prese la sonorità intensa e l'abilità di muoversi tra gli accordi, da Lester Young la capacità di raccontare storie nel modo più originale, da Charlie Parker tutte le caratteristiche di Hawkins e Young messe insieme sintetizzate in un nuovo, rivoluzionario, linguaggio. Da questo crogiolo ribollente Rollins emerse con un bagaglio unico di sicurezza, velocità, swing e spontaneità inventiva. Anche il pianista Thelonious Monk influenzò molto Rollins, rendendo i suoi assoli più frammentari e melodicamente più imprevedibili, con un'inclinazione a spezzettare il materiale tradizionale e spesso a rovesciarlo.

La celebrità [modifica]

Immagine:Sonny Rollins-3.jpg

Un assolo di Sonny Rollins

Alla fine degli anni '40 aveva raggiunto un livello di bravura tale da poter cominciare a suonare con i musicisti suoi idoli, e con i suoi coetanei che stavano facendo la storia del jazz, tra cui Miles Davis, con cui si sarebbe ritrovato più volte nel corso degli anni. L'ascolto di Oleo^[2], Doxy e Airegin^[3] sull'LP Bags' groove (1954) e dell'album di Thelonius Monk Brilliant corners (1956) dimostra la statura raggiunta da Rollins come strumentista e come compositore: gli standard da lui composti in questi anni restano tra i più famosi e frequentati.

Nel 1955 sostituì Harold Land nel quintetto di Clifford Brown e Max Roach. Negli anni successivi realizzò molte incisioni che lo proiettarono nel firmamento del jazz con la considerazione di miglior sassofonista dai tempi di Charlie Parker. Nella seconda metà degli anni '50 registrò, molto spesso insieme a Roach, alcuni dei suoi lavori più importanti: il fondamentale Saxophone Colossus, Tenor Madness (in cui lo si può ascoltare in una spettacolare chase - o gara - con John Coltrane appena approdato al quintetto di Miles Davis), The freedom suite.

La celebrità che accompagnò Rollins in questo periodo non spense mai il suo innato desiderio di apprendere ed evolversi, un impulso che egli stesso attribuisce alla volontà di competere con i suoi fratelli maggiori. Proprio quando l'avanguardia avanzava Rollins si prese due anni di riposo, dal 1959 al 1961, per approfondire i complessi problemi riguardo il rapporto tra improvvisazione e struttura. In quei due anni, Rollins riprese a studiare lo strumento come se dovesse ricominciare, e per evitare le proteste dei vicini prese ad andare a studiare su un ponte sull'East River, dove talvolta lo raggiungeva Steve Lacy anch'egli alle prese con una riflessione sulla sua musica.

« Stavo diventando molto famoso a quei tempi, e sentivo di dover migliorare molti aspetti della mia arte. Mi pareva di star ricevendo troppo presto e troppo in fretta, e mi dissi, aspetta un momento, voglio farlo a modo mio. Non volevo lasciare che mi spingessero troppo allo scoperto per poi lasciarmi cadere; volevo prepararmi adeguatamente, e farlo da solo. In quel periodo andavo a studiare sul ponte, il Williamsburg Bridge che era vicino a casa mia perché in quegli anni vivevo nel Lower East Side »

(Sonny Rollins^[4])

Negli anni '50 aveva conosciuto il grande "architetto" del free jazz, Ornette Coleman, e al suo ritorno sotto i riflettori cominciò a lavorare con due importanti sideman di quest'ultimo: il trombettista Don Cherry ed il batterista Billy Higgins. Il risultato musicale fu più libero e avventuroso, ancora segnato, però, dall'energia instancabile con la quale Rollins riusciva ad incatenare, l'una all'altra, nuove idee nel corso di ogni furioso assolo. Rollins incise sei album negli anni successivi al 1961: The Bridge è uno dei più conosciuti ed è così intitolato a ricordo delle sue sedute di studio sul Williamsburg Bridge.

Si ritirò nuovamente tra il 1969 ed il 1971 per tornare nel 1972 alla guida di giovani band che, però, eseguivano un jazz più commerciale.

Tempi moderni [modifica]

In tempi più recenti Sonny Rollins ha sempre più spesso lasciato emergere gli entusiasmi musicali dei suoi anni giovanili, e molte delle sue registrazioni dello scorso decennio comprendono un funk molto più rilassato, ballads romantiche e musica soul contagiosa. Ma egli resta un improvvisatore senza pari. In qualsiasi momento, nelle performance dal vivo, egli è sempre in grado di lasciare che la sua creatività, ancora vivace e ostinata, attinga alla sua inesauribile riserva di melodia per elaborarla in maniera ammaliante ed imprevedibile. Al Ronnie Scott's Club di Londra si ricorda ancora un finale di un suo concerto: mentre dava la buonanotte al pubblico, di colpo affiorò nella sua memoria una serie di canzoni in stile Tin Pan Alley' intitolate Goodnight: andò avanti senza accompagnamento per oltre un'ora, quasi senza prendere fiato.

Dopo la perdita, due anni fa, della moglie Lucille che gli aveva fatto da agente per più di trent'anni, Rollins ha fondato una propria casa editrice, la Doxy Records^[5], che, nel Gennaio 2007, ha pubblicato il suo primo album di studio da più di cinque anni, "Sonny, please"^[6].

La spinta continua ad elaborare nuova musica traendo ispirazione da quella vecchia fa parte dello spirito jazz, di cui Sonny Rollins è un portavoce folgorante. Tornato ai concerti dal vivo ed alla improvvisazione, ha dimostrato ampiamente negli ultimi anni, anche se ormai over 70, di essere ancora il numero 1 nello strumento principe del jazz.

Curiosità [modifica]

Rollins avrebbe potuto essere il sassofonista del famoso primo quintetto di Miles Davis, al posto di John Coltrane. Quando Miles lo chiamò, Sonny era a Chicago in uno dei suoi ritiri e declinò l'offerta. Davis dapprima non voleva chiamare Coltrane, che aveva sentito suonare con Rollins alcuni anni prima trovandolo molto inferiore: l'audizione gli fece cambiare idea. A giudicare da alcune frasi ironiche presenti nella sua autobiografia, pare che l'ombroso Davis non abbia apprezzato particolarmente il rifiuto di Rollins.

Negli anni '50 uno dei soprannomi di Rollins era Newk a causa della sua forte somiglianza con il famoso giocatore di baseball Don Newcombe per il quale veniva regolarmente scambiato.^[7]

Voci correlate [modifica]

Discografia di Sonny Rollins

Collegamenti esterni [modifica]

Note [modifica]

^ Miles Davis: The Autobiography with Quincy Troupe
^ Il nome di questa composizione è dovuta al fatto che Rollins la scrisse in sala prove sul retro di un pezzetto di carta che risultò essere l'incarto di un pezzo di margarina,oleomargarine in inglese.
^ Airegin è Nigeria scritto al contrario. Rollins diede questo titolo alla sua composizione ispirandosi ad una mappa dell'Africa che aveva visto, al rovescio, su un tavolo.
^ Citato sulla Sonny Rollins Page
^ Intervista su The New York Times. Doxy è il titolo di uno dei più famosi standard composti da Rollins.La parola doxy significa donna facile o sgualdrina.
^ Sito dedicato all'album
^ BBC: Sonny Rollins

Eric Dolphy Biografia

2008-02-07T06:25:00.000-08:00

Eric Dolphy

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Eric Dolphy (20 giugno 1928, † 29 giugno 1964) è stato un famoso polistrumentista e compositore jazz, virtuoso di sax alto, flauto, ottavino, clarinetto e clarinetto basso.

Dopo un oscuro decennio di professionismo, Dolphy irrompe nel mondo del jazz attorno alla fine degli anni '50, imponendosi come il solista più dotato sotto ogni punto di vista (armonico, ritmico, melodico e di colore strumentale). Collabora inizialmente col quintetto di Chico Hamilton (Newport Jazz Festival, The Original Ellington Suite), per poi iniziare la fruttuosa collaborazione con Charles Mingus (Mingus at Antibes, Charles Mingus presents Charles Mingus, The Great Concert, mingus mingus mingus mingus).

Dolphy eccelle soprattutto come sideman, con Max Roach (Percussion Bitter Sweet), John Lewis (Wonderful World of Jazz), Oliver Nelson (More Blues and the Abstract Truth, Screamin' the blues, Straight Ahead), John Coltrane (Olè); notevole il contrasto dei due quartetti che suonano contemporaneamente nell'opera manifesto "Free Jazz" di Ornette Coleman.

Il suo "Out to lunch" è unanimemente considerato uno dei grandi capolavori del jazz anni 60.

Cade vittima di un diabete fulminante nel 1964 durante un lungo tour europeo, poco dopo l'incisione del notevole "Last date" con Misha Mengelberg e Han Bennink. La malattia che lo uccise non venne diagnosticata dai medici francesi che lo visitarono, i quali credettero di trovarsi di fronte ad un "classico" caso di overdose da parte di un musicista nero.

Una dedica postuma ad Eric Dolphy arriva da Frank Zappa nel 1970, con "The Eric Dolphy Memorial Barbecue", notevole pezzo dai contorni chiaramente free jazz pubblicato nell'album Weasels Ripped My Flesh.

Discografia [modifica]

Come leader [modifica]

Hot & Cool Latin (1959)
Wherever I Go (1959)
Status (1960)
Dash One (1960)
Outward Bound (1960)
Here and There (1960)
Looking Ahead (1960)
Fire Waltz (1960)
Other Aspects (1960)
Out There (1960)
The Caribe with the Latin Jazz Quintet (1960)
Candid Dolphy (1960)
Magic (1960)
Far Cry (1960)
Eric Dolphy (1960)
The Quest (1961)
The Great Concert of Eric Dolphy [live] (1961)
Live! at the Five Spot, Vol. 1 (1961)
Live! at the Five Spot, Vol. 2 (1961)
Latin Jazz Quintet (1961)
Berlin Concerts [live] (1962)
Eric Dolphy in Europe, Vol. 1 [live] (1961)
Eric Dolphy in Europe, Vol. 2 (1961)
Eric Dolphy in Europe, Vol. 3 (1961)
Copenhagen Concert [live] (1961)
Softly, As in a Morning Sunrise (1961)
Quartet 1961 (1961)
Vintage Dolphy (1962)
Conversations (1963) (anche noto come Jitterbug Waltz)
Iron Man (1963)
The Illinois Concert [live] (1963)
Out to Lunch (1964)
Last Date (1964)
Naima (1964)
Unrealized Tapes (1964)
Eric Dolphy Quintet featuring Herbie Hancock: Complete Recordings (1964)

Collaborazioni [modifica]

Chico Hamilton

Chico Hamilton Quintet with Strings Attached (1958)
The Original Ellington Suite (1958)
Chico Hamilton - Gongs East! (1958)
That Hamilton Man (1959)(pubblicato anche con il titolo Truth)

Charles Mingus

Mingus Revisited [aka Pre-Bird] (1960)
Charles Mingus Presents Charles Mingus (1960)
Mingus at Antibes (1960)
Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus (1963)
Town Hall Concert (1964)
The Great Concert of Charles Mingus (1964)
Revenge! (1964)

Ornette Coleman

Free Jazz: A Collective Improvisation (1960)

Oliver Nelson

Screamin' the Blues (1960)
The Blues and the Abstract Truth (1961)
Straight Ahead (1961)

John Coltrane

Olé Coltrane (1961)
Africa/Brass (1961)
Live at the Village Vanguard (1961)
Impressions (solo una traccia, "India") (1963)

Makanda Ken McIntyre

Looking Ahead (1960)

Booker Little

Out Front (1960)

George Russell

Ezz-thetics (1961)

Max Roach

Percussion Bitter Sweet (1961)

Andrew Hill

Point of Departure (1964)

John Lewis

The Sextet of Orchestra U.S.A. (1964)

Biografia Larry Young

2008-02-07T06:23:00.000-08:00

Larry Young

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Larry Young (Khalid Yasin Abdul Aziz) (Newark, 7 ottobre 1940 - New York, 30 marzo 1978) fu un organista e pianista jazz statunitense Young portò sull'organo Hammond B-3 un originale stile modale, diverso da quello soul introdotto dal grande caposcuola dell'organo jazz, Jimmy Smith.

Dopo aver suonato, nel corso degli anni 50, con diverse formazioni di Rhythm & blues Young entrò nella scena jazz collaborando con Jimmy Forrest, Lou Donaldson, Kenny Dorham, Hank Mobley e Tommy Turrentine. Come leader, iniziò ad incidere per la Prestige Records a partire dal 1960, concentrandosi sul soul jazz ed incidendo album quali Testifying, Young Blues e Groove Street. Dopo la sua transizione alla Blue Note Records nel 1964, cominciò ad essere influenzato da John Coltrane. Questo fu il periodo in cui produsse la sua musica migliore. Fu molto spesso in studio con il chitarrista Grant Green e il batterista Elvin Jones, gruppo al quale si univano occasionalmente altri musicisti. La maggior parte degli album di questa formazione fu pubblicata a nome di Green anche se quello intitolato Into Somethin' (con Sam Rivers al sassofono) fu pubblicato come il suo album d'esordio in Blue Note. Il suo album più noto è Unity, registrato nel 1965; la formazione comprendeva Joe Henderson e un giovane Woody Shaw. Gli album Blue Note che seguirono (Contrasts, Of Love and Peace, Heaven On Earth) continuarono ad incorporare elementi di musica di avanguardia, utilizzando musicisti di Newark (la città natale di Young).

Negli anni successivi Young fu coinvolto nel movimento fusion: convocato per l'incisione dell'album di Miles Davis Bitches Brew^[1], iniziò subito dopo una collaborazione con il chitarrista John McLaughlin e divenne parte del trio di Tony Williams, Lifetime. Con quest'ultimo gruppo egli mise a punto un suono che combinava un approccio molto percussivo con effetti reminescenti di chitarra e sintetizzatori. Sempre in questi anni, partecipò ad una jam session con Jimi Hendrix, che fu pubblicata dopo la morte di quest'ultimo sull'album Nine to the Universe, conferendogli una certa notorietà tra gli appassionati di rock.

Young morì a 38 anni, per una polmonite trascurata.

Discografia parziale [modifica]

Testifying, 1960, Prestige.
Young Blues, 1960, Prestige.
Groove Street, 1962, Prestige.
Into Somethin', 1964, Blue Note.
Unity, 1965, Blue Note.
Of Love and Peace, 1966, Blue Note.
Contrasts, 1967, Blue Note.
Heaven On Earth, 1968, Blue Note.
Mother Ship, 1969, Blue Note.
Lawrence of Newark, 1973, Perception.
Fuel, 1975, Arista.
Spaceball, 1975, Arista.
The Magician, 1977, Acanta/Bellaphon (Germany).

Bibliografia [modifica]

Sterling, Guy. 'Larry Young's Tragic Genius', Su 'Newark Star-Ledger,' 30 marzo 2003.

Note [modifica]

^ Young compare anche su alcune tracce di Big Fun

Biografia Fats Navarro

2008-02-07T06:21:00.000-08:00

Fats Navarro

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Fats Navarro

Nazionalità	USA
Genere	Jazz, bebop
Periodo attività	1946 - 1950
Strumento	{{{Strumento}}}
Etichetta	{{{Etichetta}}}
Band attuale	{{{Band attuale}}}
Band	{{{Band precedenti}}}
Album pubblicati	59
Studio
Live
Raccolte
Sito ufficiale	Biografia
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Theodore ("Fats", o "Fat Girl") Navarro (Key West, Florida 24 settembre 1923 – New York 6 luglio 1950) fu un trombettista jazz statunitense. Navarro fu tra i pionieri dello stile bebop alla fine degli anni 40 a New York: frequentatore delle jam session al Minton's, fece parte del gruppo dei fondatori. Fu amico di Miles Davis, che lo ricorda più volte nella sua autobiografia. Considerato uno dei primi trombettisti jazz moderni, nella sua breve carriera ebbe modo di influenzare molti altri musicisti, Clifford Brown tra gli altri.

Nella famiglia di Navarro scorreva sangue Cubano, Cinese e afroamericano. Cominciò a sunare il pianoforte a sei anni, passando alla tromba a tredici. Dopo il diploma liceale lasciò la Florida facendosi assumere da un'orchestra da ballo diretta nel Midwest.

Fats si stabilì a New York nel 1946, dopo aver passato diverso tempo in tour e ormai stanco della vita itinerante. L'incontro con Charlie Parker, e gli altri pionieri di quello che allora veniva chiamato jazz moderno e sarebbe passato alla storia col nome di bebop trasformò il suo stile e fece di lui uno dei trombettisti di punta della scena jazz. Allo stesso tempo Navarro divenne dipendente dall'eroina, come avvenne a molti musicisti, soprattutto del circolo di Parker, che era un noto junky. Fu questa la ragione che lo condusse all tubercolosi e quindi alla morte alla giovane età di 26 anni.

Tra i musicisti con cui Navarro collaborò si annoverano Andy Kirk, Billy Eckstine, Benny Goodman, and Lionel Hampton che lo ebbero tra le file delle loro orchestre, Kenny Clarke, Tadd Dameron, Eddie "Lockjaw" Davis, Coleman Hawkins, Illinois Jacquet, Howard McGhee, e Bud Powell con i quali fu in studio di registrazione.

Discografia [modifica]

1943

Andy Kirk - Fare Thee Well Honey c/w Baby, Don't You Tell Me No Lie (Decca 4449)

1944

Andy Kirk and his Orchestra Live at the Apollo 1944-1947 (Everybody's EV 3003)
Andy Kirk - Andy's Jive (Swing House (E) SWH 39)
The Uncollected Andy Kirk - Andy Kirk and his Twelve Clouds of Joy (Hindsight (E) HSR 227)
Andy Kirk and his Orchestra (no details) (Caracol (F) CAR 424)

1945

Andy Kirk and his Orchestra (no details) (Swing House (E) SWH 130)
Billy Eckstine - Together (Spotlite (E) SPJ 100)
Billy Eckstine - Blues for Sale (EmArcy MG 36029)
Billy Eckstine - The Love Songs of Mr. "B" (EmArcy MG 36030)
V.A. - The Advance Guard of the '40s (EmArcy MG 36016)
Billy Eckstine - You Call It Madness (Regent MG 6058)
Billy Eckstine - Prisoner of Love (Regent MG 6052)

1946

Andy Kirk - He's My Baby c/w Soothe Me (Decca 23870)
Andy Kirk - Alabama Bound c/w Doggin' Man Blues (Decca 48073)
Billy Eckstine - My Deep Blue Dream (Regent MG 6054)
Billy Eckstine - I Surrender, Dear (EmArcy MG 36010)
V.A. - Boning Up the 'Bones (EmArcy MG 36038)
Billy Eckstine - Mr. B and the Band (Savoy SJL 2214)
V.A. - The Bebop Era (RCA Victor LPV 519)
Fats Navarro Memorial - Fats - Bud - Klook - Sonny - Kinney (Savoy MG 12011)
Earl Bud Powell, Vol. 2 - Burning in U.S.A., 53-55 (Mythic Sound MS 6002-2)
Fats Navarro Memorial, Vol. 2 - Nostalgia (Savoy MG 12133)
V.A. - In the Beginning Bebop! (Savoy MG 12119)
Coleman Hawkins - Bean and the Boys (Prestige PR 7824)

1947

Illinois Jacquet and his Tenor Sax (Aladdin AL 803)
V.A. - Opus de Bop (Savoy MG 12114)
Billy Stewart/Ray Abrams - Gloomy Sunday c/w In My Solitude (Savoy 647)
Milton Buggs/Ray Abrams - I Live True to You c/w Fine Brown Frame (Savoy 648)
V.A. - Jazz Off the Air, Vol. 2 (Vox VSP 310)
The Fabulous Fats Navarro, Vol. 1 (Blue Note BLP 1531)
Fats Navarro - Fat Girl (Savoy SJL 2216)
Charlie Parker - Anthropology (Spotlite (E) SPJ 108)
Coleman Hawkins - His Greatest Hits 1939-47, Vol. 17 (RCA (F) 730625)
Coleman Hawkins - Body and Soul: A Jazz Autobiography (RCA Victor LPV 501)
V.A. - All American Hot Jazz (RCA Victor LPV 544)

1948

Lionel Hampton and his Orchestra 1948 (Weka (Swt) Jds 12-1)
Lionel Hampton in Concert (Cicala Jazz Live (It) BLJ 8015)
Fats Navarro Featured with the Tadd Dameron Quintet (Jazzland JLP 50)
The Tadd Dameron Band 1948 (Jazzland JLP 68)
Benny Goodman/Charlie Barnet - Capitol Jazz Classics, Vol. 15: Bebop Spoken Here (Capitol M 11061)
The Fabulous Fats Navarro, Vol. 2 (Blue Note BLP 1532)
V.A. - The Other Side Blue Note 1500 Series (Blue Note (J) BNJ 61008/10)
The Complete Blue Note and Capitol Recordings of Fats Navarro and Tadd Dameron (Blue Note CDP 7243 8 33373-2)
Earl Coleman - I Wished on the Moon c/w Guilty (Dial 756)
Dexter Gordon on Dial - Move! (Spotlite (E) SPJ 133)

1949

The Metronome All Stars - From Swing to Be-Bop (RCA Camden CAL 426)
Dizzy Gillespie - Strictly Be Bop (Capitol M 11059)
Jazz at the Philharmonic - J.A.T.P. at Carnegie Hall 1949 (Pablo PACD 5311-2)
The Amazing Bud Powell, Vol. 1 (Blue Note BLP 1503)
V.A. - 25 Years of Prestige (Prestige PR 24046)
Miles Davis/Dizzy Gillespie/Fats Navarro - Trumpet Giants (New Jazz NJLP 8296)
Don Lanphere/Fats Navarro/Leo Parker/Al Haig - Prestige First Sessions, Vol. 1 (Prestige PRCD 24114-2)

1950

Charlie Parker - Fats Navarro - Bud Powell (Ozone 4)
Charlie Parker - One Night in Birdland (Columbia JG 34808)
Charlie Parker - Bud Powell - Fats Navarro (Ozone 9)
Hooray for Miles Davis, Vol. 1 (Session Disc 101)
Miles Davis All Stars and Gil Evans (Beppo (E) BEP 502)
The Persuasively Coherent Miles Davis (Alto AL 701)
Hooray for Miles Davis, Vol. 2 (Session Disc 102)

Collegamenti esterni [modifica]

Biografia Dizzy Gillespie

2008-02-07T06:19:00.001-08:00

Dizzy Gillespie

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Dizzy Gillespie
Dizzy Gillespie fotografato da Carl Van Vechten, 1955
Nazionalità	USA
Genere	jazz, bebop
Periodo attività	1935 - 1993
Strumento	{{{Strumento}}}
Etichetta	{{{Etichetta}}}
Band attuale	{{{Band attuale}}}
Band	{{{Band precedenti}}}
Album pubblicati	'
Studio
Live
Raccolte
Sito ufficiale	http://dizzygillespie.org/
Si invita a seguire lo schema del Progetto Musica

	« Alla gente non importa se gli suoni un accordo di tredicesima fratturata, purché lo possa ballare »
	(Dizzy Gillespie)

Dizzy Gillespie - all'anagrafe John Birks Gillespie - (Cheraw, 21 ottobre 1917 – New York, 6 gennaio 1993) è stato un trombettista statunitense.

Fu anche cantante, pianista, percussionista, compositore e bandleader. Con Charlie Parker fu, negli anni Quaranta, del XX secolo uno degli inventori e delle figure chiave del bebop e del jazz moderno.

Indice

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Biografia [modifica]

Gli inizi [modifica]

John Birks Gillespie era il più giovane di nove figli e cominciò a suonare la tromba all'età di 12 anni, per gioco e da autodidatta. Suo padre, che picchiava regolarmente i suoi bambini, morì quando Gillespie ne aveva dieci.

Nonostante fosse molto povero, riuscì ad ottenere una borsa di studio all'istituto di Laurinburg, nella North Carolina. Tuttavia, lasciò la scuola nel 1935 e si trasferì a Philadelphia alla ricerca di lavoro come musicista a tempo pieno. Inizialmente si unì a Frankie Fairfax e effettuò la sua prima registrazione nella band di Teddy Hill nella quale sostituì Roy Eldridge.

Alla fine degli anni Trenta si mise in luce nelle orchestre di Teddy Hill, Lucky Millinder, Cab Calloway, Jimmy Dorsey e Lionel Hampton come uno dei migliori epigoni di Roy Eldridge. In quelli anni incontrò tra gli altri Coleman Hawkins, Mario Bauza, Milt Hinton, che lo indirizzarono verso uno stile più moderno.

La nascita del Bebop [modifica]

	« Bird è stato lo spirito del movimento bebop, ma Dizzy ne era la testa e le mani, era lui che tenva insieme tutto »
	(Miles Davis, Autobiografia)

Nei primi anni Quaranta Gillespie iniziò a frequentare il Minton's Playhouse, un locale notturno di New York dove insieme iniziava a muovere i primi passi il nuovo jazz. Con il bassista Oscar Pettiford e il batterista Kenny Clarke fondò un gruppo divenuto poi leggendarie e che fu considerato la prima formazione bop della storia. Le jam sessions notturne del Minton's furono la prima importante palestra per alcuni dei grandi nomi del jazz moderno: Thelonius Monk, Bud Powell, Max Roach, ma anche Charlie Christian, iniziarono suonando al Minton's e lì inventarono quello che poi sarebbe stato chiamato bebop.

Importante per la carriera di Gillespie fu l'ingresso nell'orchestra di Earl Hines, dove incontra Charlie Parker, Billy Eckstine e Sarah Vaughan. Nell'orchestra diretta da Eckstine, che in qualche modo prese il posto di quella di Hines, il nuovo stile prese grande slancio.

Fu nelle piccole formazioni di Gillespie con Charlie Parker, Max Roach, Bud Powell e Oscar Pettiford che al Milton's il bebop trovò la sua conformazione definitiva e più tipica. Composizioni di Gillespie come Groovin' High, Woody n' You, Anthropology, Salt Peanuts e la celeberrima A Night in Tunisia erano per l'epoca rivoluzionarie rispetto all'imperante swing. Erano diversi il suono, l'armonia, la melodia, il ritmo. Il bebop era anche uno stile di vita rivoluzionario e un nuovo modo di porsi per gli afro-americani. I musicisti neri si stavano riappropriando della "loro musica", il jazz, un tempo vituperato e poi addolcito dallo swing delle orchestre ballabili bianche. Spesso il nuovo linguaggio non era capito o addirittura apertamente osteggiato e non sempre è stato facile per i musicisti che si erano fatti le ossa al Milton's trovare ingaggi. Il bebop durò poco: nel 1949 quasi tutti i protagonisti della rivoluzione musicale iniziata da Gillespie e soci si stavano dedicando a cose diverse.

Lasciato Charlie Parker (che assunse suonare Miles Davis al suo posto) nel 1947 Gillespie formò un quintetto con il pianista John Lewis e con Milt Jackson, Kenny Clarke e Ray Brown, in pratica la futura formazione del Modern Jazz Quartet.

Il canto del cigno del vero bebop è testimoniato nella registrazione del concerto tenuto il 15 maggio del 1953 alla Massey Hall di Toronto, con Charlie Mingus, Charlie Parker, Max Roach e Bud Powell, in uno dei più famosi dischi della storia del jazz.

La musica afro-cubana [modifica]

Già dal 1945 Gillespie, iniziatore del minimalista bebop, per suonare il quale era preferibile organizzarsi un piccoli gruppi, dimostrò la sua preferenza per le grandi formazioni, nelle quali poteva esprimersi come leader, come solista e nello stesso tempo come istrionico intrattenitore. Negli anni molte furono le "Dizzy Gillespie Big Band", che si esibirono spesso anche in Europa, ma che finirono per sciogliersi perché troppo onerose.

Verso la fine degli anni Quaranta Dizzy Gillespie cominciò ad interessarsi alla musica caraibica e sudamericana. Fu uno dei primi tentativi riusciti di fusion tra generi diversi: i ritmi afro-cubani inseriti nel contesto di una jazz band. Composizioni importanti dell'epoca furono Manteca e Tin Tin Deo.

La passione di Gillespie per il ritmo latino continuò per anni. Nel 1977, scoprì la musica di Arturo Sandoval a Cuba in un giro alla ricerca della buona musica.

Dizzy Gillespie in concerto nel 1988

Gli ultimi anni [modifica]

A differenza di Miles Davis, Dizzy Gillespie rimase comunque sempre fedele al bebop nonostante la sua preferenza per le big band e l'amore per la salsa e per i ritmi caraibici.

Negli anni Cinquanta iniziò ad adoperare la sua caratteristica tromba con la campana piegata verso l'alto e divenne riconoscibilissimo per l'estensione del rigonfiamento delle sue guance mentre soffiava potenti riff nel bocchino.

Gillespie pubblicò la sua autobiografia, To Be or not to Bop nel 1979. Negli anni Ottanta guidò la United Nations Orchestra e apparì come ospite in alcune sit-com televisive .

Negli ultimi anni Gillespie rallentò molto la sua attività. Si dedicò prevalentemente all'insegnamento e a esibizioni con i suoi protetti come Arturo Sandoval e Jon Faddis. Il suo atteggiamento comico e allegro divenne una caretteristica distintiva delle sue esibizioni durante le quali comunque non si risparmiava suonando la tromba con il suo dispendiosissimo stile.

Gillespie fu uno dei più noti aderenti alla fede Bahá'í. In suo onore ogni settimana si svolge una esibizione di jazz presso il Bahá'í Center di New York.

Gillespie morì di cancro al pancreas nel 1993 a 75 anni ed è sepolto nel Flushing Cemetery, nel Queens, a New York. Alla sua memoria è stata dedicata una stella nella Walk of Fame di Hollywood al 7057 di Hollywood Boulevard.

La Scuola Popolare di Musica Dizzy Gillespie di Bassano del Grappa è a lui dedicata.

Curiosità [modifica]

Il motivo per cui la famosa tromba di Dizzy aveva la campana rivolta in alto, era oggetto di molte speculazioni, ma il motivo della strana forma era che una sera, dopo un concerto, lo strumento sfuggì di mano a Gillespie e si piegò. La forma gli piacque e decise di non farla aggiustare.
Negli anni '60 Dizzy si propose anche per la candidatura a Presidente degli Stati Uniti, promettendo di ribattezzare la "Casa Bianca" "Casa del Blues", di nominare Miles Davis capo della CIA, Ray Charles Librarian of Congress e Malcom X a capo della sezione legalità.

Altri progetti [modifica]

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